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lunes, 16 de noviembre de 2015

Géneros en el Cine. El Musical. Cabaret (1972)





Título original Cabaret
Año1972
Duración 123 min.
País Estados Unidos
Director Bob Fosse
Guión Jay Presson Allen & Hugh WheelerMúsicaJohn Kander
Fotografía Geoffrey Unsworth
Reparto Liza Minnelli, Michael York, Helmut Griem, Marisa Berenson, Fritz Wepper, Joel 
Género Drama. Musical | Años 30. Nazismo
Sinopsis Berlín, años 30. El partido nazi domina una ciudad donde el amor, el baile y la música se mezclan en la vida nocturna del Kit Kat Club. Un refugio mágico donde la joven Sally Bowles y un divertido maestro de ceremonias hacen olvidar las tristezas de la vida. (FILMAFFINITY)

Premios
1972: 8 Oscars, incluyendo director, actriz (Minelli), actor sec. (Grey). 10 nom.
1972: BAFTA: Mejor película
1972: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical. 9 nom.
1972: National Board of Review: Mejor película
1972: Premios David di Donatello: Mejor actriz (Liza Minelli) y director extranjero
Críticas Uno de los mejores musicales de la historia, que extrae su fuerza de una dirección vibrante, unos diálogos con chispa, un mensaje previsible pero bien enmarcado en la historia, y unos estupendos intérpretes. Además, claro, de unos números musicales sencillamente soberbios, a los acordes de una banda sonora inolvidable. El magnífico Joel Grey les invita a pasar con el mítico “Willkommen, Bienvenue, Welcome...".       Daniel Andreas: FILMAFFINITY



Este drama musical, basado muy libremente en una obra de Broadway, se ha convertido en una de esas obras tan populares que se han convertido en un icono. De entrada, Cabaret no es una película que parezca ofrecer nada especial al espectador puesto que nos cuenta una argumento trilladísimo: la clásica historia de amor entre dos personajes contrarios, Brian Roberts, un académico inglés, y Sally Bowles, una alocada cabaretera americana, los cuales se conocen en el Berlín de principios de los años 30, cuando el nazismo comenzaba a emerger con fuerza.

Aún así, este argumento al final acaba siendo un pretexto para sumergir al espectador en el sórdido mundo del cabaret y music hall así como en la Alemania de la época, cuando el desastre estaba cada vez más cerca. Y es aquí donde el film gana fuerza y tiene sentido, en aprovechar esta historia de amor para recrear ese contexto.
Desde el mismo título, resulta obvio que el punto fuerte de la película se encuentra en su fascinante recreación del decadente mundo del cabaret, ese espectáculo que pretende hacer olvidar a los espectadores la cruda realidad y que se enfatiza en la canción inicial del film en que el maestro de ceremonias da la bienvenida al cabaret (“aquí hasta los miembros de la orquesta son guapos“). Al final de la película, ese mismo personaje preguntará a los espectadores si han conseguido olvidar sus problemas gracias a la función, y satisfecho abandonará el escenario.

Bob Fosse (coreógrafo profesional y director de musicales) es el realizador perfecto para dar forma a los estrambóticos números musicales que se aparecen a lo largo del film, a menudo vinculados con hechos de la trama. No es un director pomposo ni amante de grandes alardes a la cámara y se muestra como un realizador elegante y preciso, más preocupado en dar la mejor forma posible a los números musicales que en hacerse notar.

Los números conservan ese aire burlesco y decadente típico del music hall y el director en ningún momento lo esconde o pretende dotarles de glamour. Los bailarines aparecen grotescamente maquillados y los números cómicos resultan a menudo más chocantes que graciosos (al menos vistos con la perspectiva de hoy en día). Las canciones están muy bien interpretadas y dirigidas, pero lo importante es que no se pierde de vista el hecho de que son números de cabaret. No encontramos estilizadas y eróticas bailarinas ni Fosse interfiere más de lo necesario en el escenario, prefiere mantenerse en planos que nos sitúan en el punto de vista del público, pues es a ellos a quien van dirigidos estos números. 
Durante el resto de escenas de la película, Fosse mantendrá esta línea aunque con algunas marcas de estilo bastante modernas y bien integradas en el film, como el gusto por las elipsis repentinas y algunos segmentos montados a un ritmo bastante rápido, sobre todo cuando combina imágenes del cabaret con el mundo real.

El otro gran argumento a favor de Cabaret es el irresistible personaje de Sally Bowles, la cabaretera soñadora, cariñosa, alocada, atrevida y desinhibida que lucha en vano por convertirse en una actriz. Lina Minnelli hace aquí sin duda el papel de su vida, pero realmente es el tipo de personaje que cualquier actriz desearía interpretar puesto que da muchísimo juego y tiene una fuerte personalidad difícilmente olvidable. Tan encantadora como cargante, tan dulce como vorazmente sexual, Sally es obviamente la última mujer con la que uno se imaginaría a Brian.

Por supuesto, Minnelli también se reserva algunos de los mejores números musicales del film, pero para mí el gran ganador en ese sentido es un prodigioso Joel Grey repitiendo el papel que hizo en Broadway de maestro de ceremonias. Aunque no es un personaje que se desarrolle, puesto que nunca le vemos fuera del escenario, Grey literalmente lo borda tanto en los números musicales que interpreta con un tono marcadamente burlesco como en las presentaciones en que se dirige juguetonamente al público. En mi opinión es sin duda el gran ganador del reparto.

Por otro lado, la ambientación de la Alemania nazi está tratada con pinceladas. Fosse apenas profundiza en ello y apenas la integra en el argumento, parece interesarle más bien tratar ese hecho de forma comparativa, es decir, contrastar la banalidad del cabaret con la crudeza de lo que sucede fuera. Aunque no incide mucho en ello, sí que deja caer pequeños indicios de lo que está sucediendo que se reflejan sobre todo en el contraste entre el inicio y el final del film en el cabaret: al principio de la película el dueño del cabaret echa a patadas a un nazi (lo cual provocará que acabe recibiendo una brutal paliza), al final se nos muestra un plano un poco difuminado del público entre el cual distinguimos claramente unos cuantos nazis, que han aumentado drásticamente de número desde el inicio.
En lo que respecta a la historia, aunque es bastante típica contiene algunos aciertos que la alejan de la tópica historia de amor abocado al fracaso, como la bisexualidad de Brian, que nos es insinuada desde el inicio cuando éste confiesa que las otras veces que intentó acostarse con mujeres no salieron bien. Cuando la pareja consigue unirse felizmente, aparece el tercero en discordia: Max, un seductor barón que se siente obviamente interesado por Sally. Sin embargo, Max no pretende en ningún momento echar a Brian ni le contempla en ningún momento como una amenaza, al contrario, intenta conquistarle también con regalos. En una escena muy bien planteada en que los tres acaban bailando medio borrachos se nos da a entender por primera vez que no sólo Max está interesado en formar un trío amoroso con los dos, sino que Brian nos confirma totalmente su bisexualidad al parecer atraído por el barón.
Después de una traumática experiencia sexual (de la que no se nos muestra nada), el barón desaparecerá y con él este curioso menage à trois. El conflicto entonces se desplazará en el hecho de que Sally esté embarazada, pero el tramo final del guión resulta bastante flojo y resuelve la historia con bastante torpeza. Del mismo modo, la subtrama sobre Fritz (un cazafortunas amigo de la pareja) intentando seducir la hija de un acaudalado judío permanece olvidada durante buena parte del metraje y solo se recupera al final de forma un poco precipitada.
Aún así, Cabaret es un intachable film filmado con muy buen gusto, muy bien interpretado y que además aprovecha una temática especialmente interesante hasta entonces bastante marginada en el cine de Hollywood: el oscuro y decadente mundo del music-hall alejado de todo glamour.

viernes, 13 de noviembre de 2015

STOP MOTION. Mary and Max (2009)

Título original   Mary and Max
Año 2009

Duración 88 min.

País Australia

Director Adam Elliot

Guión Adam Elliot

Música Dale Cornelius

Fotografía Gerald Thompson

Reparto Animation 

Productora Melodrama Pictures

Género Animación. Drama. Comedia | Comedia dramática. Amistad. Stop Motion.Claymation (Plastilina). Animación para adultos. Discapacidad. Autismo

Web Oficial http://www.maryandmax.com/

Sinopsis
Primer largometraje del ganador del Oscar Adam Elliot, "Mary and Max" narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York, y una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne. (FILMAFFINITY)

Premios
2009: Festival de Annecy: Mejor película (ex-aequo con "Coraline")

2009: Festival de Berlín: Oso de Cristal (mención especial - Generation 14plus)

Críticas
"Mary y Max es un trabajo hecho con evidente amor, pero quizás uno destinado al disfrute de una selecta minoría"
Justin Chang: Variety 

"De una forma perversa y en ocasiones inmadura, trata temas maduros como el amor, la amistad, el perdón o la salud mental (...) Requiere una audiencia madura, o al menos una audiencia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)"
Peter Howell: Toronto Star 

"Tremendamente imaginativa, inteligente y sabia, 'Mary and Max' es una historia para adultos sobre las disonancias de la vida (...) El trabajo de animación en plastilina es maravilloso, vivo y detallado"
Andrew L. Urban: Urbancinefile 

"Sorprendente y dolorosa"
Kevin Thomas: Los Angeles Times 

"Maravillosa -e inédita en España– Mary and Max."
Pablo González Taboada: Cinemanía 



domingo, 8 de noviembre de 2015

Práctica 8: Anuncio retro. Tabajo en equipo de 2 miembros. 23-11-15

1.- Previos:

En la práctica 6 ya has empezado a narrar parte de una historia utilizando diferentes planos. Para ello has tenido que utilizar algún programa de edición de vídeo. Si no lo has hecho todavía, ya va siendo hora de que comiences. Teniendo en cuenta la dificultad que eso supone para algunos de vosotros. Vamos a hacer este ejercicio por parejas, con la intención de que quien no conozca todavía como funciona un programa de edición de video comience a familiarizarse con su uso con la ayuda de un compañero.

2.- Descripción del ejercicio:

Vamos a realizar un anuncio retro al estilo de los que se hacía en los años 50 y 60.

Para ello deberías volver a ver algunos de los anuncios que vimos en clase




Condiciones:
- Realización previa de un guión técnico story board en donde aparezcan tipo de plano, angulación, movimiento de la cámara, diálogo, sonidos, atrezzo y esquema compositivo o story board de cada una de las tomas.
- Aproximadamente 20 segundos de duración
- Blanco y negro
- Diferentes planos
- Que aparezca texto con el nombre del producto intentando
imitar el estilo de la época.
- No hacer parodia intencionada. El estilo es suficientemente cómico a los ojos de un espectador del 2015, no hace falta acentuar el chiste con gestos o exageraciones. La gracia está en tomarselo en serio


Opcional:
- Copiar un anuncio de la época plano a plano ( aunque no es muy original es un buen modo de aprender)
- Utilizar el sonido original superponiendo las imágenes vuestras
- Anuncio totalmente original, cumpliendo las condiciones propuestas

3.- Ayuda: 

* RECUERDA QUE SON SOLO 20 SEGUNDOS, no tiene sentido crear anuncios de mayor duración.
* REALIZA MUCHOS CAMBIOS DE PLANO para llamar la atención del espectador

* Es indispensable que hagas el guión técnico. Ahí podrás razonar, prever complicaciones y planificar vestuario, tipo de plano etc..


* Sube el video a tu cuenta de YOUTUBE. una vez comprobado que el video está en Youtube abre el vídeo pulsa debajo del video "compartir", elige "insertar", copia el código que aparece debajo,
Crea una entrada nueva en tu blog y pulsa HTML (arriba a la izquierda debajo del título), pega ahí el código,

vuelve a pulsar REDACTAR y verás que el vídeo está listo para publicar. 

* Hazle una foto al guión técnico que realizaste antes de hacer el vídeo y ponlo en la misma entrada
Puedes añadir las explicaciones que creas convenientes. 

4.- Modo de Presentación

- Entrada  en un blog titulada  “Práctica 8: En pareja. Anuncio retro (Tu nombre y el de tu compañero de equipo” con imágen del guión técnico y vídeo de youtube del trabajo.

- Email a profe1bar@gmail.com con el enlace a la entrada del ejercicio y asunto “Practica 8: Trabajo en pareja. Anuncio Retro (Fulano de tal y Mengano de tal)


- Cada miembro de la pareja tendrá una entrada en su blog con el ejercicio completo.

- En alguna parte de la entrada debe aparecer el nombre del ejercicio y los miembros del equipo.

5.- Fecha de Presentación 23-Noviembre-2015

En el caso de que el correo con el enlace a la entrada de tu blog se haya enviado fuera del plazo de presentación, el ejercicio será evaluado con un “0” a efectos de la nota de la primera evaluación.
Después de la entrega de boletines, el ejercicio entregado fuera de plazo será evaluado con su nota correspondiente pero solo será tenido en cuenta como recuperación.

6.- Evaluación

Se evaluará positivamente

1- Realización correcta del guión técnico con todos sus apartados     (2 puntos)

2- Originalidad      (1 punto)                        
3- Que aparezcan diferentes tipos de plano utilizados de forma coherente y con menos de 5 segundos de duración cada uno. (1 punto)
4 - Sentido artístico en la composición de los planos. (1 punto)
5 - Que se respeten las reglas de continuidad en cuanto al movimiento, miradas o evitar los saltos de eje. (1 punto)
6 - Utilización de algunos planos imposibles (desde dentro de la lavadora) y planos subjetivos (desde el punto de vista del actor) (1 punto)
7.- Ambientación retro (1 punto)
8.- Cumplimiento riguroso de las normas en cuanto al modo de presentación (1 punto)

7.- Ejemplos



viernes, 16 de octubre de 2015

Largometraje (Cine dentro del cine).- HUGO (2011) de Martin Scorsese

1.- Datos Técnicos




Título original
Hugo (Hugo Cabret)
Año
2011
Duración
127 min.
País
Estados Unidos
Director
Martin Scorsese
Guión
John Logan (Libro: Brian Selznick)
Música
Howard Shore
Fotografía
Robert Richardson
Reparto
Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law,Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour
Productora
GK Films / Infinitum Nihil / Warner Bros. Pictures
2.- Género
AventurasDramaFantásticoIntriga | Años 30Cine dentro del cine.

3.- Sinopsis
París, años 30. Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano, relojero y ladrón que vive entre los muros de una ajetreada estación de trenes parisina. Nadie sabe de su existencia hasta que le descubre una excéntrica niña (Chloë Moretz) junto a la que vivirá una increíble aventura... 

4.- Premios
Oscars: 5 premios técnicos. 11 nominaciones, incluyendo mejor película y director 


  • 5.- Críticas

    "Una carta de amor al cine y al público (...) 'Ven y sueña conmigo', pide un cineasta en la exquisita fantasía 'Hugo', una invitación que claramente es formulada por el propio Scorsese (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" external-link
    Elizabeth Weitzman: New York Daily News crítica positiva
  • "'Hugo' es distinta a cualquier otra película que haya hecho nunca Martin Scorsese y posiblemente, la más cercana a su corazón: un cine épico (...) y, en muchos sentidos, un espejo de su propia vida (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" external-link
    Roger Ebert: Chicago Sun-Times crítica positiva
  • "Scorsese construye 'Hugo' al estilo Méliès, montando un mundo parisino completo y deslumbrante en un plató en Inglaterra y revelando la pura alegría de ello. 'Hugo' te dejará sin aliento (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" external-link
    Peter Travers: Rolling Stone crítica positiva
  • "Aunque es preciosa, 'Hugo' nunca parece como la infancia, nunca hace sentir el terror, la sensación de injusticia ante las reglas adultas, la sensación de descubrimiento cuando todo es nuevo (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" external-link
    Kyle Smith: New York Post crítica neutra
  • "En un intento de hacer su primera película para todas las edades, Martin Scorsese ha creado una película eterna. Simultáneamente clásica y moderna, popular pero también insobornablemente personal"  external-link
    Peter Debruge: Variety crítica positiva
  • "'Hugo' es grande, y existe principalmente para resplandecer, pero sus ambiciones narrativas son más modestas. La disfruté más que muchas de las últimas películas de Scorsese" external-link
    Michael Phillips: Chicago Tribune crítica neutra
  • "Es preciosa visualmente, utiliza inmejorablemente las tres dimensiones, es un tributo sincero y de amor al cine y a los libros. Pero fallan demasiadas cosas." external-link
    Carlos Boyero: Diario El País crítica neutra
  • "La última película de Scorsese es la historia de la bella resurrección del cine" external-link
    Sergi Sánchez: Diario La Razón crítica positiva
  • "La película encarna un modelo de cine infantil tan raro, profundo y virtuoso que el mayor enigma para este crítico es la aparente incapacidad del conjunto para hacer vibrar las almas" external-link
    Jordi Costa: Diario El País crítica neutra






jueves, 15 de octubre de 2015

B3 La Imagen en Movimiento 5.1 Modificación de Piezas Videográficas

    James Stewart atormentado con las películas de Stanley Kubrick desde La Ventana Indiscreta de Hitchcock





TIMELAPSE DE LA VENTANA INDISCRETA (1954), ALFRED HITCHCOCK


Rear Window Timelapse from Jeff Desom on Vimeo.


Todas las imágenes han sido tomadas de ‘Rear window’ (1954) dirigida por Alfred Hitchcock. El video que homenajea a una de las grandes películas del mago del suspense ha recibido el primer premio del Festival Vimeo 2012 en la categoría ‘Remix’. La música de fondo es la Hungarian Dance No. 5 compuesta por Johannes Brahms. Este magnífico trabajo nos adentra en la excepcional atmósfera de la película y nos sirve de pretexto para hablar de uno de los grandes trabajos cinematográficos del director inglés.



Adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich, que le sirve al maestro Hitchcock para ofrecer un ejemplar ejercicio de vouyeurismo (casi en un auto homenaje, pues Sir Alfred se consideraba un incontinente mirón). La película no es más que un refinado tributo al cine y al cinéfilo, partí­cipe desde la mirada irónica del director británico de las diferentes y cotidianas intrahistorias.

Supo retratar a una gran cantidad de personajes, desde una escultural bailarina, un matrimonio que alivia su calor estival durmiendo en el balcón, la infeliz señorita corazón solitario hasta un músico sin mucho éxito o una fogosa pareja de recién casados. También el carácter, narrado solo con imágenes, de un frío y calculador marido que se deshace de su mujer y que hace avanzar la trama.

El filme, claustrofóbico y absorbente a la vez, nos deleita con una gran interpretación deJames Stewart, acompañado por la rubia favorita del director, Grace Kelly, siempre refinada en sus modales y apariencia (vestida en esta ocasión por la omnipresente Edith Heath), sin olvidar el trabajo de Thelma Ritter y Raymond Burr, secundarios de lujo para cualquier producción cinematográfica.



La tensa narración Hitchcockiana, la puesta en escena en un reducidí­simo espacio, la magní­fica utilización del tempo como expositor de la situación de suspense o la brillante fotografí­a deRobert Burks hacen de este tí­tulo uno de los mejores trabajos del inigualable autor inglés.

martes, 13 de octubre de 2015

TAREA 05.- CA1. Una misma noticia en diferentes medios (03 Noviembre)

Para realizar este trabajo necesitarás:
- Un ordenador con conexión a internet.
- Blog personal.
- Leer detenidamente las instrucciones.
- Una hora de trabajo en casa.
- Sentido común.

1.- Previos
Como suele ser habitual en estas ocasiones, el análisis que realiza la prensa de la cualquier acontecimiento político o social es muy diferente según el diario.
Vamos a comparar el análisis que realizan los periódicos españoles de una misma noticia viendo estos tres ejemplos;  Una huelga general en 2012 como protesta a la gestión del gobierno de Mariano Rajoy , La visita del Papa, La confianza del mercado en el gobierno de Rajoy.

La huelga general:
La mayoría de los medios coincide en que la huelga no tuvo el gran seguimiento que después si tuvieron las manifestaciones que recorrieron las distintas ciudades españoles.
- El diario que más se desmarca del resto con su portada es ‘La Razón’, que en grandes letras titula “Fracasados”, con una gran foto de la cabecera de la manifestación capitaneada por los principales líderes sindicales, entre ellos Toxo y Méndez. De la pancarta que sujetan, en la que ponía “Nos dejan sin futuro”, sólo pueden leerse las palabras “sin futuro”, que unidas al titular terminan componiendo una portada bastante agresiva.
- 'El País', por su parte, destaca el éxito de las manifestaciones con el titular “Cientos de miles de personas exigen en las calles que Rajoy rectifique”, aunque en el antetítulo sí reconoce el poco seguimiento de la huelga: “Masivas manifestaciones culminan una huelga general de impacto moderado”.
- 'ABC', que nada dice en su portada sobre las manifestaciones, habla de que “España prefiere trabajar” y de “Fracaso de la huelga general”. La palabra “fracaso” es doblemente empleada por El Mundo, que titula “De fracaso en fracaso” y dice que “la huelga fue incluso menos seguida que la de marzo”.
La visita del Papa:
En el verano 1911, el Papa visitó nuestra capital para celebrar las Jornada Mundial de la Juventud. La policía disolvió una manifestación laica que pretendía manifestar su disconformidad con la Iglesia y la colaboración que prestaba el ayuntamiento de Madrid.



Observad la diferencia entre los titulares que supuestamente explican la misma noticia.
Mientras “El Pais” culpabiliza a la policía de los altercados “La policía disuelve a golpes la concentración laica en Sol”, el periódico “El Mundo” tiene una visión totalmente opuesta “Los anti Papa agreden a los católicos y la Policía no actúa


La confianza en el Gobierno de Rajoy:

(viernes, 19 julio 2013)



La Razón y El Mundo llevan hoy portadas antitéticas

Portadas
Dos diarios llevan este viernes el mismo tema en su portada. Se trata del efecto y la repercusión que los escándalos de corrupción y en concreto el ‘caso Bárcenas’ están teniendo, o pueden tener, en los mercados financieros a nivel internacional. Sin embargo, llama la atención que el enfoque de este mismo tema en uno y otro diario es radicalmente distinto y sus titulares se contradicen. Mientras que El Mundo titula “4 bancos de inversión destacan el deterioro que sufre Rajoy”La Razón asegura que “El mercado confía en Rajoy”.

El diario que dirige Paco Marhuenda muestra algunos datos de la subasta del Tesoro realizada ayer en los que basa su tesis, como los 3.063 millones en bonos a 3 y 5 años y obligaciones a 10 años, que se colocaron ayer. Muestra también el dato de los 314,9 puntos en los que terminó la prima de riesgo e ilustra estas gráficas con una fotografía de Bárcenas y con un segundo subtítulo referido a él: “El presidente está dispuesto a comparecer en el Congreso, pero no en un pleno sólo sobre Bárcenas”.
Por su parte, El Mundo resumen en cuatro puntos la lectura que hacen cuatro grandes bancos internacionales sobre la situación política en España. Todos ellos hablan de “deterioro”, “entorno complicado” y posible “dimisión” de Rajoy.
2.- Descripción del Ejercicio
Al igual que en los tres ejemplos anteriores, debes encontrar alguna noticia en la que se aprecien significativas lineas editoriales de al menos dos periódicos y reflexionar acerca de las intenciones de cada uno de los medios.
Deberás ilustrar tu análisis con capturas de pantalla (en caso de periódicos digitales) o imágenes de las portadas.
La actualidad está llena de acontecimientos que te podrían servir, basta con que busques las portadas y los titulares,  y  expliques brevemente la intención (posiblemente manipuladora) de cada uno de los medios
3.- Ayuda
Compara los titulares en periódicos o prensa digital con una linea editorial crítica con el gobierno de Rajoy (PÚBLICO, EL PAIS..) con otros medios incondicionalmente afines (ABC, LIBERTAD DIGITAL o EL MUNDO (aunque éste último se está desmarcando últimamente de su apoyo al gobierno conservador))

4.- Modo de Entrega

Una vez subida la entrada al blog deberás enviarme un email a  profe1bar@gmail.com con el enlace a la entrada del ejercicio y asunto “T5 CA1 BA1-A(o B) Nombre y apellidos. Una misma noticia vista por diferentes medios ”

5.- Fecha de Presentación (03 Noviembre)
En el caso de que el correo con el enlace a la entrada de tu blog se haya enviado fuera del plazo de presentación, el ejercicio será evaluado con un “0” a efectos de la nota de la primera evaluación. 
Después de la entrega de boletines, el ejercicio entregado fuera de plazo será evaluado con su nota correspondiente pero solo será tenido en cuenta como recuperación.

6.- Evaluación
Se evaluará positivamente
- Correcta elección de la noticia y los medios a analizar.
- Sentido crítico en el análisis de los titulares.
- Redacción coherente y sin faltas de ortografía. 
- Utilización correcta de las nuevas tecnologías (Envío de email y publicación de texto con imágenes en el blog personal)

viernes, 9 de octubre de 2015

Directores de Cine.- ORSON WELLES (1915-1985)

ORSON WELLES

(1915-1985)

Medía 1’87.



Admirador de la obra de William Shakespeare desde su infancia, antes de desembarcar en Hollywood, Welles ya había ganado cierta reputación en el mundo del teatro.

A la edad de 18 años emigró a Irlanda, trabajando en el experimental Gate Theatre a comienzos de los años 30.

Más tarde debutó con la compañía de Katherine Cornell tras ser recomendado por Thornton Wilder y Alexander Woollcott. En este período apareció en numerosas producciones basadas en obras de Shakespeare, debutando en Broadway con la representación de “Romeo y Julieta”.



En 1934 contrajo matrimonio con la actriz Virginia Nicholson y brilló con sus originales propuestas en el Federal Theatre Project, en donde colaboró con John Houseman.

Cuando sus avanzadas ideas sobre la expresión artística le llevaron a salir del Federal Theatre, Welles fundó junto a Houseman el Mercury Theatre, consiguiendo el éxito con sus representaciones radiofónicas y teatrales, entre ellas otras adaptaciones shakesperianas como “Macbeth” y “Julio César”.

El suceso que cambió su vida profesional ocurrió en el año 1938. Con actores de su compañía, Orson representó la obra de H. G. Wells “La Guerra De Los Mundosen una versión radiofónica tan realista que provocó una gran conmoción y pánico entre sus oyentes, quienes, después de escuchar la presunta invasión de New Jersey por los alienígenas, salieron corriendo atemorizados a las calles pensando que el ataque extraterrestre era cierto.

Este extraordinario suceso elevó la fama del joven Welles, provocando que su nombre llegara a oídos de los estudios de Hollywood.



La RKO le ofreció una cantidad impensable para un principiante en las artes cinematográficas: 225.000 dólares más un plus sobre los beneficios y absoluta libertad creativa para rodar dos películas.

Orson, que había realizado un par de cortos con anterioridad, aceptó la oferta y comenzó a rodar su primer film, que en un principio se iba a titular “Americano”. Su principal influencia cinematográfica, además de los expresionistas alemanas, fue John Ford. No en vano Welles reconoció haber visto en múltiples ocasiones “La Diligencia” antes de iniciar el rodaje de su película debut.

Esta película contaba la historia de un magnate llamado Charles Foster Kane, basando el personaje en la figura de William Randolph Herst. Welles, que en 1939 se había divorciado de Virginia, rebautizó su proyecto con el nombre de “Ciudadano Kane” (1941).

Los resultados técnicos del film pasaron a la historia por su compleja puesta en escena, la detallada utilización del gran angular y la profundidad de campo, la fuerza de sus encuadres, los juegos de luces y sombras o la innovadora aplicación del montaje y el sonido.

La crítica recibió con entusiasmo la película pero la mala distribución del film y la campaña en contra orquestada por Hearst provocó que “Ciudadano Kane” fracasase en taquilla. A pesar de ello, la película recibió nueve nominaciones al premio Oscar, consiguiendo Welles y Herman J. Mankiewicz la estatuilla al mejor guión original.

Con decepción por el escaso resultado comercial, Orson encaró el rodaje de su segunda película llamada“El Cuarto Mandamiento” (1942).

Las mutilaciones infringidas por la RKO mientras el director estaba rodando un documental en Sudamérica (que finalmente no fue concluido por Welles) no terminaron de perjudicar a este magistral y oscuro drama familiar protagonizado por su amigo Joseph Cotten.



Lamentablemente “El Cuarto Mandamiento” supuso otro revés a nivel económico, hecho que derivó en su salida de la RKO.

Un año después del estreno del film, Welles contrajo matrimonio con Rita Hayworth, con quien tuvo a su hija Rebecca, nacida en 1944. Con anterioridad, en el año 1937, Orson había tenido junto a Virginia Nicholson a su primogénito Christopher Feder.

Antes de volver a aparecer acreditado como director, Welles intervino en películas como “Estambul” (1942) de Norman Foster,“Alma Rebelde” (1944), film de Robert Stevenson que adaptó la novela gótica “Jane Eyre” de Charlotte Brontë con el co-protagonismo de Joan Fontaine, o “Duelo Al Sol” (1946), película de King Vidor a la que puso su voz como narrador.

En “Alma Rebelde” y “Estambul” se aprecian claramente las influencias cinematográficos de Welles, llegando incluso a afirmarse que fue el propio Orson Welles el responsable de la dirección.



En 1946 realizó su tercera película gracias a la ayuda de Sam Spiegel, un productor independiente con el que grabó “The Stranger” (1946), un film con temática nazi co-protagonizado por Edward G. Robinson yLoretta Young.

Se trata de un film menor pero disfrutable, inferior a sus obras previas y a la siguiente, “La Dama De Shanghai” (1948), estupendo film negro basado en una novela de Sherwood King con las constantes visuales de su director que fue rodado junto a su esposa Rita Hayworth, con quien se hallaba en pleno proceso de divorcio.

En 1948 la pareja se separó. Con posterioridad, Orson Welles se casó con la actriz Paola Mori, con quien coincidió en varias películas, entre ellas “Mr. Arkadin” y “El Proceso”. También mantuvo una sonada relación sentimental con la cantante Eartha Kitt.

Con exigua fortuna en la taquilla y admirado por la crítica, el autor dio inicio a su extraordinaria trilogía sobre las obras de William Shakespeare con “Macbeth” (1948), cuyo fracaso comercial indujo a que Orson abandonase los Estados Unidos y emigrara a Europa, en donde rodó varias películas, trabajando también como actor en innumerables producciones con el afán de conseguir el lucro necesario para sus propios films como director.

Algunos de sus mejores títulos en tierras europeas fueron “El Tercer Hombre” (1949), película de Carol Reed con guión de Graham Greene narrada con un estilo muy semejante al de Welles en el que el interpretó el personaje de Harry Lime, o “Moby Dick” (1956), adaptación del clásico literario de Herman Melville que dirigió John Huston. También puso su voz como Dios en la película “Don Camilo” (1952) deJulien Duvivier.

El mismo año de “El Tercer Hombre”, Orson interpretó a César Borgia en “El Príncipe De Los Zorros” (1949) y se convirtió en “Cagliostro” (1949).

En Italia presentó la segunda parte de su trilogía shakesperiana, la excelente “Otelo” (1952), película que consiguió ganar en el Festival de Cannes. Con financiación española estrenó “Mr. Arkadin” (1955), un film con una disposición similar a “Ciudadano Kane” que no consiguió los resultados de su precedente a pesar de ser una muy estimable película.

Después de diez años alejado de Hollywood, Orson Welles retornó a su país para filmar uno de sus mejores títulos, “Sed De Mal” (1958), sensacional film noir co-protagonizado por Charlton Heston y Janet Leight que adaptó una novela de Whit Masterson.

En Europa rodó “El Proceso” (1962), absorbente comunión entre Welles y el escritor checo Franz Kafka con Anthony Perkins como Joseph K.

Como actor apareció en Hollywood en meritorias películas como “El Largo y Cálido Verano” (1958), título de Martin Ritt basado en escritos de William Faulkner, o “Impulso Criminal” (1959), film dirigido porRichard Fleischer en el que interpretó a un abogado.

De regreso a Europa culminó su trilogía shakesperiana en España con“Campanadas A Medianoche” (1965), amalgama de cinco obras del dramaturgo inglés. Con posterioridad filmó para la televisión francesa “Una Historia Inmortal” (1968), adaptación de un relato de Isak Dinesen, preludio de su última obra acabada, el documental “Fraude” (1973).

Hombre de gran personalidad y carácter independiente, Orson Welles, debido a su perfeccionismo enfermizo dejó muchos proyectos inconclusos, entre ellos una versión del Quijote de Cervantes comenzada en 1955, que sería posteriormente restaurada y estrenada después de la muerte de su autor, acontecida en Los Angeles el 9 de octubre de 1985 a la edad de 70 años.

B4CE2.3 El Plano Secuencia (Sed de Mal de Orson Welles)



Plano secuencia inicial de "sed de mal" dirigida por Orson Welles

Touch of Evil (Sed de Mal)


Rótulo del título en el reclamo de la película.
Título Sed de mal (Argentina yEspaña)
Sombras del Mal (México)
Ficha técnica
Dirección
Orson Welles
Producción Albert Zugsmith
Guion Orson Welles
Basada en Badge of Evil (1956), de Whit Masterson
Música Henry Mancini
Fotografía Russell Metty
Montaje Aaron Stell
Virgil Vogel
Walter Murch
Protagonistas Charlton Heston
Janet Leigh
Orson Welles
Josep Calleia
Akim Tamiroff
Marlene Dietrich


Estados Unidos
Año 1958
Género Cine Negro
Duración 108 minutos
Idioma(s) Inglés


Touch of Evil (en Argentina y en España, Sed de mal; en México, Sombras del Mal) es una película estadounidense del año 1958 dirigida por Orson Welles. Para muchos críticos, éste es el último gran filme del período clásico del cine negro estadounidense.


1 Sinopsis
2 Detalles de la película
3 Ediciones de la película
4 Notas
5 Enlaces externos




Janet Leigh y Charlton Heston en un fotograma delreclamo de la película.

Sinopsis
Mike Vargas (Charlton Heston) y Susan Vargas (Janet Leigh) son una pareja de recién casados formada por un policía mexicano y su mujer estadounidense que interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión de un auto conducido por un mafioso de la droga. El caso lleva al policía Vargas a trabajar en la investigación junto a Hank Quinlan (Orson Welles); un corrupto y obeso jefe de la policía estadounidense, que no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato.

Susan cae en las manos del grupo de mafiosos fronterizos. La mujer es drogada y usada para desprestigiar al correcto Vargas, con el fin de que este desista de su investigación. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa. Al final, Tanya (Marlene Dietrich) una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, presagia el triste y fatídico final de éste.
Detalles de la película

Touch of Evil significó el regreso de Welles a la producción en Estados Unidos, después de haber rodado tres filmes fuera de su país natal,Macbeth (1947), Otelo (1952) y Mister Arkadin (1955).

El proyecto llegó a manos de Welles en una época en que éste no gozaba de buena fama entre los productores de Hollywood, ya que muchos lo consideraban un director difícil que no era capaz de cumplir con un plan de trabajo. Fue el actor Charlton Heston quien logró imponer a Welles (debido a una confusión) y con total libertad creativa. Welles reescribió el guion, basado en una novela publicada en 1956 por Whit Masterson, e inició el rodaje al poco tiempo en Venice (California).



La película fue rodada en un riguroso blanco y negro por el director de fotografía Russell Metty, donde el uso de la luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas ayudan a crear la densa atmósfera del filme.

El largo plano secuencia de 3 minutos con el que inicia la película tardó 15 días en llevarse a cabo y se transformó en un plano mítico dentro de la historia del cine.
Ediciones de la película


Después de terminado el rodaje, los productores vieron el material y se extrañaron del camino tomado por el director. Consideraron que la película era demasiado confusa, por lo que la reeditaron e incluso rodaron escenas adicionales (con un director diferente) a espaldas de Orson Welles, que para ese momento se encontraba en España tratando de cumplir su sueño de rodar una adaptación de El Quijote. Éste primer corte de los productores fue estrenado en el año 1958 y significó un enorme fracaso comercial y de crítica.

A su regreso a Los Ángeles, Welles lamentó la decisión de los productores e insistió en que, para que la obra pudiese considerarse suya, se debían seguir una serie de indicaciones para realizar un nuevo corte del filme. Las indicaciones para la nueva edición fueron plasmadas por Welles en un extenso documento de 58 páginas que dirigió a la Universal, compañía productora de la película. Éste documento (que se creía perdido y del que por fortuna Charlton Heston guardaba una copia), sirvió de base para realizar en 1997 una nueva versión restaurada de Touch of Evil, la misma que fue estrenada en cines en 1998 y en DVD en el año 2000, 15 años después de la muerte Welles.

Cine Documental.- Una verdad Incómoda


http://vimeo.com/42156221





1.- Datos Técnicos.
Año 2006
Duración 96 min.
País Estados Unidos
Director Davis Guggenheim
Guión Davis Guggenheim
Música Michael Brook
Fotografía Davis Guggenheim
Reparto
Documentary, Al Gore
Productora Paramount Classics




2. Género Documental

3. Sinopsis
Documental sobre los efectos devastadores del cambio climático. El ex-vicepresidente norteamericano Al Gore muestra un contundente y preocupante retrato de la situación del planeta, amenazado por el calientamiento global provocado por las ingentes emisiones de CO2 por parte de la acción del hombre. Un documental cuya leyenda reza: "De lejos la película más aterradora que verá jamás". (FILMAFFINITY

4. Premios
2006: 2 Oscars: Mejor documental, mejor canción original (Melissa Etheridge)
2006: National Board of Review (NBR): Mejor documental
2006: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental
2006: Critics' Choice Awards: Mejor documental. 2 nominaciones

5. Críticas
"El hecho de que 'Una verdad incómoda' no debería existir es una razón para estar agradecido de que exista. (...) intelectualmente es estimulante (...) Un buen lugar para empezar, y continuar, un proceso de concienciación que difícilmente puede ser más urgente. Un film necesario."
A. O. Scott: The New York Times
"No es un film aburrido. El director usa palabras, imágenes y la letanía concisa de Gore sobre los hechos para construir una película que es fascinante e implacable. (...) Puntuación: **** (sobre 4)."
Roger Ebert: Chicago Sun-Times
"Una excelente herramienta educacional."
Dennis Harvey: Variety
"Lección magistral. (...) Más que un documental, parece un grito de alarma. (...) Lo mejor: La permanente impresión de estar aprendiendo de la manera más amena que se pueda imaginar. (...) Puntuación: **** (sobre 5)."
Alberto Bermejo: Diario El Mundo
"Su fórmula narrativa acaba convirtiendo un defecto en una virtud. Nada hay más alejado del cine que ver a un tipo largando una teoría tras otra durante una conferencia (...) Tiene el valor de la divulgación de lo incontestable más allá de sus más nimios defectos."
Javier Ocaña: Diario El País
"Una clase magistral (...) ¿Aburrida? Para nada. ¿Electoralista? Tampoco."
Días de cine

lunes, 5 de octubre de 2015

LARGOMETRAJE.- La Quimera del Oro (The Gold Rush) 1925



La Quimera del Oro (The Gold Rush) - Charlie Chaplin (1925) Silent B&W.





Una de las obras fundamentales de Charlie Chaplin, y una de sus películas que él más apreció. El vagabundo viaja a Alaska, durante la Fiebre del Oro (título que debió haber adoptado este filme en español), y regresa exitoso... y con la chica de sus sueños. Algo autobiográfico y, como otras obras de Chaplin, cargado de mensajes relativos a valores tales como la dignidad, el respeto, la injusticia, la pobreza, la solidaridad, etc.

Una hilarante película que tiene algunos momentos de antología del cinema mundial, tal como el baile de los panecillos, la cena del zapato y la cabaña al borde del abismo. ¡Disfrútela!

domingo, 4 de octubre de 2015

Directores de Cine.- Alfred Hitchcock (Londres 1899 - Los Angeles 1980)


Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock
Hitchcock, Alfred 02.jpg
Hitchcock en 1955
Nombre de nacimientoAlfred Joseph Hitchcock
NacimientoBandera del Reino Unido LeytonstoneLondres,InglaterraReino Unido
13 de agosto de 1899
FallecimientoBandera de los Estados Unidos Bel-AirLos Ángeles,Estados Unidos
29 de abril de 1980 (80 años)
NacionalidadBandera del Reino Unido Británico
Apodo(s)Hitch, el maestro del suspense
OcupaciónDirector de cineproductor
Años activo/a1921-1976
Características físicas
Estatura1,70 m
Familia
CónyugeAlma Reville (1926-1982)
Hijo/sPatricia Hitchcock (1928)
Premios
Premios ÓscarPremio en Memoria de Irving Thalberg
1967
Globos de OroPremio Cecil B. DeMille
1972 Premio a la Trayectoria Profesional
Mejor programa de televisión
1958 Alfred Hitchcock Presents
Premios BAFTABAFTA Honorífico
1971
Otros premiosPremios Saturn
1994 Premio a la vida profecional



Sir Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899-Bel Air, Los Ángeles, 29 de abril de 1980)1 fue un director de cine y productor británico. 
Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico

Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.

A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico distintivo y muy reconocible.

Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeurismo, empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico.
 Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio.


  

Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos  que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.

Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico, apareció el primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos y es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.



Hitchcock no logró ningún Oscar




Alfred Hitchcock sintió el desprecio de la industria cinematográfica estadounidense, ya que estuvo nominado en cinco ocasiones al Oscar al mejor director por «Rebeca», «Naúfragos», «Recuerda», «La ventana indiscreta» y «Psicosis», pero nunca obtuvo la estatuilla.

Hasta el final de su carrera cinematográfica no recibió ningún premio como director. 
En 1968 en la ceremonia de la Academia, recibió el Irving Thalberg, que premia a personajes significativos en el mundo de la producción cinematográfica. 
Cuando Hitchcock subió a recogerlo, cabizbajo y serio en todo momento, llegó al micrófono y, aunque algunos esperaban un ingenioso e irónico discurso, el director sólo se limitó a decir «gracias».


Alfred Hitchcock no recibió ni un Oscar, ni tan siquiera el honorífico. Aunque él mostraba indiferencia por ello, en privado y en lo más íntimo mostró su amargura. A sus pocos amigos se refería al premio como una «eterna dama de honor, jamás novia». Sin embargo, en público mostró su impasibilidad ante el Oscar cuando decía: «¿Para qué quiero otro sujetapuertas?».

En 1971 recibió un BAFTA como reconocimiento de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión a toda su carrera profesional como director; y en 1972, en honor a su trayectoria profesional, recibió el Premio Cecil B. DeMille en la gala de los Globos de Oro en Hollywood.


Kandinski

Para el tercer trabajo, utilizaremos como referente al pintor ruso Vasili Kandinski,  un  pintor   ruso , precursor de la  abstracción  en ...