Historia del Comic

Papiro egipcio

     Entre los antecedentes más claros del cómic suelen citarse los jeroglíficos, una forma de escritura de la Antigüedad que expresaba con dibujos y símbolos los significados de las palabras.     En murales egipcios y en columnas romanas conmemorativas, se ordenaban esos dibujos y símbolos, generalmente en tiras, para contar historias que todo el mundo pudiera entender. Este lenguaje está muy relacionado con el código audiopictórico del cómic.


Hay autores que se remontan a la Prehistoria para identificar en las pinturas rupestres una forma de narrar aciones - la caza, por ejemplo - basada en imágenes fijas.

Bisontes en la cueva de Altamira

 Otros expertos señalan como antecedentes del cómic la Edad Media, época en la que los retablos religiosos y los llamados "aleluyas" explicaban a los fieles todo tipo de acontecimientos y de metáforas bíblicas con pinturas e ilustraciones, disponiendo las imágenes de manera secuencial.

Retablo religioso

     El cómic nace precisamente al mismo tiempo que el cinematógrafo, el invento que consigue reproducir imágenes en movimiento tomadas de la realidad. La gran difusión que experimenta la prensa diaria a finales del siglo XIX lleva a los periódicos a buscar nuevas formas periodísticas, y las caricaturas y dibujos satíricos evolucionaron hasta las llamadas tiras cómicas, una serie de dibujos sencillos que entretenían a los lectores con narraciones.  os primeros cómics son obra del dibujante Foucault, que publica desde 1895 historietas de su personaje Yellow kid en el dominical del diario New York World.  u éxito mueve a periódicos de todo el mundo a tener sus propios dibujantes, y el poder de la nueva forma  de expresión lleva inclus a los sindicatos a controlas sus temas y formatos en 1915. El género humorístico será el más extendido en el siglo XX aunque el cómic, como cualquier otro medio gráfico, se deja influenciar por los movimientos artísticos de vanguardia

    Desde finales de los años veinte ya hasta los cuarenta, la creatividad y estética del cómic evoluciona de manera extraordinaria. Nacen héroes de cómic que se convierten en mitos, que son dibujados con una gran calidad y que sirven de evasión a todo tipo de lectores.

     En estados Unidos, destacan personajes de género policíaco como Dick Tracy; de ciencia ficción, como Flash Gordon; o de aventuras, como Tarzán. Son años en los que se comienzan a publicar los libros de cómics, con una gran calidad de edición y con historias más largas y completas, que propician el éxito de héroes como Superman. En Europa, la historieta alcanza también una gran difusión, y se hacen célebres personajes como Jane o Tintín.

Tintín

Tarzán

    La II Guerra Mundial supone una gran crisis para el cómic. Ya que se trata de un medio de comunicación de masas bastante aceptado, es fácil que los gobiernos lo conviertan en un instrumento eficaz de propaganda, ejerciendo un control absoluto sobre los contenidos, los formatos y los propios dibujantes. En Estados Unidos, los personajes acaban vistiendo el uniforme del ejército o se embarcan en aventuras bélicas con un alto grado de patriotismo. En Europa, la crísis económica hace difícil la edición de cómics, aunque logran sobrevivir personajes como Tintín, y surgen otros como El guerrero del antifaz, del español Manuel Gago, o El Capitán Trueno de Victor Mora.

     En la segunda mitad del siglo XX se produce un renacimiento y un cambio de rumbo. A partir de los años setenta, la televisión se ha convertido en el medio de masas por excelencia y se considera la historieta un producto de consumo menor y para adultos. Eso permite el surgimiento del llamado cómic underground, con dibujos escatológicos y sexuales, en Estados Unidos; o del cómic negro, con temas y formas sádicas y eróticas, en Italia. Con cierta vocación alternativa, nacen personajes como Charly Brown y su perro Snoopy, del dibujante Charles M. Schulz o Mafalda, del argentino Quino.

Es también un periodo en el que el público juveniel e infantil comienza a acercarse al fascinante medio del dibujo secuencial, y prueba de ello es el nacimiento de personajes como Astérix y Obelix, de los franceses Goscinny y Uderzo, o Lucky Luke o los pitufos, personajes destacados en Bélgica y que llegan hasta las pantallas televisivas de nuestro pais. 

En España, es importante la producción de cómics en torno a revistas como TBO; destacan las aventuras de Carpanta o Zipi y Zape, de José Escobar, o la famosa serie de Francisco Ibáñez, Mortadelo y Filemón

A finales de los noventa, y hasta la actualidad, el cómic lucha por su supervivencia, acosado por la hegemonía televisiva y por la estética de los manga japoneses desplegados en el papel y en las pantallas.

El Graffiti; Definición, Origen, Tipos, Influencias

Graffitis en el muro de Berlin antes de su derribo en 1989

    Aunque algunos autores consideran al graffiti como una evolución de la pintura mural, lo cierto es que su relación con el fenómeno del cartel es muy clara.

El graffiti consituye la mayor innovación en la expresión de la "imagen pública" que tiene lugar en el siglo XX, porque su realización supone una apropiación del espacio urbano que da lugar a la creación de iconos con mensajes generalmente transgresores o provocativos.

 



Podríamos abordar el debate acerca de la estética del graffiti y si esta práctica se encuentra más cerca del arte o del vandalismo. Veamos: existen niveles.

Graffiti de Banksy

Graffiti de Banksy

Los graffitis elaborados y expuestos en zonas deterioradas han supuesto la decoración de espacios que se encontraban visualmente deshabitados - como por ejemplo fachadas de obras, tapias o paredes a medio realizar- pero, en otros casos, invaden espacios que poseen una identidad visual propia- guste o no los graffiteros-, cuya imagen es fruto del diseño o simplemente del cuidado de sus propietarios, y es un instrumento de autoafirmación de la propia ciudad.

Por lo tanto, existen graffitis que decoran y otros que entorpecen y ensucian. Es obvio cuál es la práctica que está más cercana de ser considerada un medio de comunicación artística. El uso del graffiti implica un sello o marca de autor (firma) aunque también una transgresión del orden social establecido. Además, constituye por si mismo una forma de consumo cultural alternativo.

Graffiti poco original y con poco valor estético

Este fenómeno tiene su origen en la ciudad de Nueva York, donde a finales de los años sesenta se multiplican las manifestaciones juveniles de grupos sociológicos denominados "subculturales", que fomentan manifestaciones artísticas y musicales alternativas - principalmente el movimiento musical hip-hop- y realizan pintadas y marcas en las pareces como método de autoafirmación.

El graffiti ha estado expuesto siempre a las influencias de los medios audiovisuales, especialmente del cine alternativo, del cómic, de la música independiente y de las vanguardias pictóricas abstractas.

13 reglas de La Composición Fotográfica

Las 13 Reglas de Composición Fotográfica Fundamentales que Deberías Conocer





¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto, que son las “reglas de composición”. Dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras. En el siguiente artículo repasamos algunas de las más relevantes a modo de resumen.





1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.


2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.
3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios

Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3×3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, … Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, …

Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.
Resumen

En este artículo hemos querido mencionar algunos de los elementos compositivos fundamentales de la fotografía. Algunos son relativamente fáciles de aplicar, mientras que para otros dependemos de ciertas condiciones del entorno. Lo importante es conocerlos y recordarlos a la hora de hacer fotos, porque con su observación y su recuerdo empezaremos a encontrarlos cada vez con más facilidad en nuestras prácticas de fotografía.

Sistemas de captación y tratamiento de imágenes fijas.

Una cámara fotográfica es un dispositivo de captación de imágenes fijas, al igual que lo es una cámara digital, lo único que cambia es el tipo de lenguaje y el soporte de almacenamiento.

La fotografía analógica si se almacena en condiciones de luminosidad, temperatura y humedad adecuadas, puede utilizarse durante siglos, ya sea película negativa, papel o película de diapositivas.

La fotografía digital se almacena en tarjetas de memoria, discos compactos u otros dispositivos de almacenamiento de datos digitales

• El sistema de captación es idéntico, solo que en la cámara analógica el material fotosensible está dispuesto a modo de emulsión química sobre un soporte físico como es la película y todo el procedimiento es mecánico.

Una vez captada la imagen, en la película fotográfica esa imagen deberá procesarse químicamente en un laboratorio a través de un proceso casi artesanal, para conseguir revelar y fijar la imagen a fin de poder almacenarla. Si la película está tratada con los colorantes específicos, la imagen captada tendrá también la información de color.

• En el proceso de captación digital el material fotosensible cubre una superficie electrónica (llamada CCD) realizada con un material metálico, como el óxido de silicio. Hasta ahí todo es igual; la luz atraviesa el objetivo y sensibiliza, punto a punto, línea a línea, según se trate de claridad u oscuridad, el material sensible.  En el caso del sistema digital, la cámara puede contar con tres CCD o bien tres filtros de los tres colores básicos, siendo la primera opción la más profesional.

La historieta gráfica

   Hemos hablado de la imagen fija desde un punto de vista gráfico y artístico. Si atendemos a los grados de iconicidad de los que hablamos anteriormente, hay que recordar que el espacio y el tiempo son dimensiones que nos acercan a la verosimilitud de lo que vemos o mostramos. El cómic es un medio de comunicación que narra una historia a través de imágenes. Pero esas imágenes están dispuestas de manera secuencial de modo que puedan darnos una impresión espacio temporal. El cómic o historieta es el medio expresivo basado en la imagen secuencial que más difusión tiene en la actualidad. <ha heredado la función expresiva de las antiguas ilustraciones , que eran imágenes fijas que se ordenaban a la vista del público para transmitir mensajes o contar historias.     Ha recibido las influencias de los medios audiovisuales especialmente del cine, y se ha consolidado con el tiempo como un arte con características propias, capaz de influir a su vez en otras artes y lenguajes expresivos. La principal característica del comic, aparte de su organización secuencial, es la utilización de códigos pictocinéticos (uso de imágnenes y signos gráficos para representar el movimiento) y audiopictóricos (representacion gráfica de sonidos y onomatopeyas)

Onomatopeyas en el comic

Los oficios de la cultura - Dibujante de cómic. Miguelanxo Prado

• Los oficios de la cultura - Dibujante de cómic. Miguelanxo Prado

Fases de la elaboración de un cómic:

(Viñetas de La loca de Brunete, con guión de Victor Mora y dibujo de Antonio Parras, en el libro Tormenta sobre España, Glénat, 2006, p 41) 

Quien se haya iniciado en el proceso de elaboración de un cómic, sabrá que el trabajo se divide en varias fases: 

1 DOCUMENTACIÓN Y GUIÓN.

Se parte de un guión donde se describe la trama de la historia, las situaciones que viven los personajes, sus reacciones y diálogos. A menudo es necesario documentarse y buscar información sobre los personajes y el contexto en el que se desarrolla la historieta. El guión generalmente se divide en tres fases: planteamiento, desarrollo y conclusión: 

“Una historia se estructura con un planteamiento, un desarrollo y una conclusión donde debemos imaginarnos una línea y distribuir el tiempo que se dedicará a cada acto. El planteamiento debe presentar el contexto de la historia al lector, a los personajes, el origen del conflicto... El desarrollo es una sucesión de conflictos que conducen hacia un desenlace, que podrá ser abierto o cerrado. La conclusión es la resolución de los conflictos planteados”. 

Esta es la estructura clásica de muchas de las narraciones audiovisuales y literarias, que pueden corresponderse con el guión de aventura, una estructura que se ha convertido en paradigma universal para contar historietas. Aún sabiendo que no hay una única manera de contar historias, y que la literatura bien podría no andar tan cogidita de la mano de las recetas imperantes del cine, sí parece que determinadas fórmulas se han generalizado por su éxito comercial, como las que recuerdan a la estructura de la tragedia que ya estableció Aristóteles. En esta obra se establecen las tres fases que describíamos anteriormente (planteamiento, desarrollo o confrontación y conclusión), donde el héroe o protagonista sufre dos puntos argumentales o puntos de inflexión: un primer suceso inesperado que obstaculiza su misión y parece hacerla imposible, y otro segundo giro sorprendente que hace que se resuelva el conflicto. 

2 DISEÑO DE PERSONAJES

Algunos artistas deciden realizar el diseño de personajes antes de planificar la historieta, otros realizan la planificación antes de haber decidido el aspecto final del personaje. En todo caso, es importante decidir qué rasgos físicos tendrán los personajes principales y secundarios, según las cualidades que muestran en la historieta. En este caso, si se dibuja una historieta de una anciana en tiempos de la guerra civil, es importante saber cual era el aspecto de una señora mayor en la España de los años treinta. 

3 PLANIFICACIÓN DE PÁGINAS Y VIÑETAS

A continuación, se realiza una planificación de páginas y viñetas donde decide el contenido de cada viñeta según el guión. Cabe preguntarse ¿quién decide sobre los detalles de la representación visual de la historieta? ¿Cómo se da el salto del texto a la imagen? ¿Qué detalles vienen predeterminados por el guionista y cuales por el dibujante?. Generalmente el guionista ya establece el número de viñetas y el contenido de ésta, e incluso señala el tipo de plano que quiere que aparezca en la viñeta. Aún así, la resolución definitiva de la historieta, el ritmo narrativo, la intensidad emocional, dependen de la habilidad del dibujante y su capacidad para hacernos sentir la historieta a través de atmósferas, encuadres, luces, las características físicas del personaje y la expresividad corporal del mismo, formas y espacios de las viñetas en la página, etc. 

4 BOCETOS

Una vez realizada la planificación y el diseño de personajes, el dibujante ya puede empezar a esbozar las primeras versiones del cómic. Generalmente el dibujante realiza los encajes sus bocetos con lápiz color azul para facilitar el posterior escaneado ya que por medios digitales puedes eliminar fácilmente todos los trazos de ese color sin interferir en el resto del dibujo.

5 ENTINTADO Y COLOREADO

Una vez que el artista consigue un boceto de calidad, el dibujo se entinta y colorea, a menudo suele escanearse el boceto y se le da luz y color con técnicas digitales. 

6 MAQUETACIÓN

Por último se maquetan las páginas del libro o la revista, trabajo que suele realizar un diseñador gráfico. 

El Cartel: Definición, Origen, Evolución, Historia y Técnicas.

El Cartel: Definición, Origen, Evolución, Historia y Técnicas.

      Una definición inicial de cartel es un tipo de escrito o dibujo, realizado en gran tamaño que contiene un anuncio o aviso y que se expone, por lo general, en lugares de paso o gran afluencia de gente, para dar a conocer públicamente su contenido.

Cartel exibido en la marquesina de una parada de
autobús. Este tipo de carteles se reciclan cada 15 días.

     
Hoy podemos definir de forma más exacta cartel o poster como el pliego de papel de gran formato impreso con anuncios o avisos, producido de forma masiva para su exhibición en público.
El cartel lleva como báse un gráfico, ilustración o fotografía y se diferencia de otros productos publicitarios sobre todo en las dimensiones y el soporte (tablones, vallas publicitarias, paredes de edificios, escaparates de establecimientos, casetas de información, construcciones de mobiliario urbano, marquesinas de parada de autobus, metro o tren, papeleras, vagones, autobuses, papeles informativos, etc.)

Los elementos gráficos y el texto complementan a la imagen para constituir, por si mismo, un medio de comunicación de masas de gran relevancia.

Los carteles de cine son muy codiciados por
algunos aficionados al septimo arte.

     Normalmente, tienen fines comerciales - anunciar productos o publicar acontecimientos -, pero también pueden ser utilizados para hacer recomendaciones de educación pública, como instrumento de propaganda, o con finalidad artística, formando parte de la estética y ambientación del paisaje urbano.

El Cartel artístico, como éste de Tolouse Lautrec, comparte
con la pintura elementos de diseño y composición 

 















El cartel comparte con otras expresiones artísticas los elementos que se emplean en su diseño y composición, independientemente de cuales sean sus contenidos o sus fines.

Como medio de comunicación el poster o cartel cumple con mayor eficacia sus objetivos, porque capta con mas intensidad la atención del público sobre los mensajes que transmite  Pero, además, el cartel puede cumplir exclusivamente una función artística, como un cuadro o una escultura, sin pretender influir en los hábitos de consumo o en los valores del público ni informar sobre un acontecimento.
Estén diseñados o no por artistas, muchos carteles se convierten en producto del mercado del arte, que se venden a coleccionistas o al público en general como otras obras. Es el caso de los carteles de cine, que se comercializan en tiendas especializadas e incluso en grandes superficies. El cartel es una de las artes más populares y masivas, y por eso su utilización como instrumento publicitario es extensa.

Banderolas publicitarias

El cartel; origen y evolución.
   
Se pueden considerar las pinturas rupestres como los primeros mensajes de "imagen pública" conocidos, pero hasta la época clásica, en Roma y en Grecia, no aparecen los primeros carteles: anuncios oficiales que se graban en piedras, se exponen en lugares públicos para su difusión y cumplen principalmente una función informativa.

Cartel de corrida de toros en 1780

     La invención de la imprenta en el siglo XV permite la aparición del cartel propiamente dicho, y el fenómeno se desarrolla hasta que en el siglo XVIII es frecuente verlos publicados en prensa como anuncios o en forma de folletos grabados que se reparten por las calles y que hacen públicos acontecimientos importantes.
     Ya en el siglo XIX, los anuncios de diversiones públicas, como espectáculos precinematográficos, corridas de toros, circos, etc., pueden considerarse carteles.
La función persuasiva comienza a desarrollarse, principalmente en los textos, que intentan captar la atención del público y convencerlo de que acuda a presenciar un espectáculo determinado.
A finales del siglo XIX, los carteles siguen cumpliendo su función de medios de comunicación, pero, además , puede hablarse con propiedad de ellos como objetos artísticos.




La era moderna del cartel

     La industrialización y el auge de la publicidad en el siglo XVIII, así como el invento de la litografía en 1798, suponen un avance moderno en la cartelería. En el siglo XIX el avance no es muy destacado en cuanto a técnica, ya que suelen ser anuncios muy sencillos; sin embargo, se convierte en una práctica publicitaria muy habitual.

Absinthe Ducros Fils. Jules Chéret

Zezette. Jules Cheret

     Jules Chéret tendrá una posición destacada en la historia del cartel, ya que se convierte en el primer artista moderno de carteles, al revolucionar su apariencia, otorgando el papel principal a la ilustración; el texto pasa a ser un elemento menos importante, que cumple una función explicativa o que se convierte también en ilustración, transformando las letras en figuras de gran belleza. Chéret prefiere los dibujos ideales a los realistas, e introduce en las imágenes una gran vitalidad y dinamismo.

Cartel de un cabaret realizado por Tolouse Lautrec.

     Los métodos de Cheret se extienden rápidamente a Europa y América. El éxito de esta nueva técnica radica en el lenguaje de la imagen: ya no es necesario saber leer para interpretar el significado de lo que nos quieren decir. Esta nueva vitalidad en el arte del cartel atrae hacia el género a numerosos artistas conocidos y alcanza su punto culminante en la década de 1890, con las innovaciones introducidas por algunos representantes del Art Nouveau y por los pintores franceses Henri de Toulouse-Lautrec y Pierre Bonnard. Dentro de esta corriente modernista destacan en España Ramón Casas, autor del célebre cartel de Anís del mono y Santiago Rusiñol.

Cartel de Pierre Bonnard

Cartel de Santiago Rusiñol

Cartel de anis del Mono.
Ramon Casas

El Cartel en el siglo XX

       Con el estallido de la primera Guerra mundial en 1914, el arte del cartel experimenta un cambio radical. Los pósteres pasan a ser instrumentos de propaganda y en comparación con los estilos anteriores, resultan artísticamente toscos, pero su mensaje es contundente.




 

 Durante las décadas de 1920 y 1930, los carteles reflejan numerosas influencias artísticas: cubismo, surrealismo, dadaísmo y Art Decó, entre otras. La escuela artística de la Bauhaus, en Alemania resulta de gran importancia para el cartel, porque es la pionera en crear nuevas formas de arte gráfico, con la integración del texto del póster en el dibujo y la utilización, en algunos casos, de las palabras o las letras para componer todo el dibujo (Carteles tipográficos).


     En nuestros días, la eficacia del cartel publicitario se ha reducido por la competencia de los anuncios a través de la televisión y la radio y de las imágenes fotográficas en multitud de periódicos y revistas. Pero en su faceta artística se ha perfeccionado con la participación de las nuevas tecnologías y la introducción de nuevos soportes, como vallas electrónicas, proyecciones laser, etc.




2.2 Técnicas de Grabado

2.3 Técnicas digitales en el cartel


Desde el inicio de la era digital, los diseñadores han dejado de lado los procedimientos plásticos para la realización de carteles, limitando su uso al boceto.


Actualmente para la creación de un cartel, una vez realizado el correspondiente boceto, entre los diseñadores, está generalizado el uso de programas informáticos como el Adobe Illustrator (Trabaja con gráficos vectoriales) y el Adobe Photoshop (trabaja con mapas de bits).


Incluso para la realización de los bocetos previos, los diseñadores actuales prefieren realizar sus primeros apuntes con una tableta digital.

Proceso de Ilustración digital.