domingo, 4 de octubre de 2015

Directores de Cine.- Alfred Hitchcock (Londres 1899 - Los Angeles 1980)

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock
Hitchcock en 1955
Nombre de nacimiento	Alfred Joseph Hitchcock
Nacimiento	Leytonstone, Londres,Inglaterra, Reino Unido 13 de agosto de 1899
Fallecimiento	Bel-Air, Los Ángeles,Estados Unidos 29 de abril de 1980 (80 años)
Nacionalidad	Británico
Apodo(s)	Hitch, el maestro del suspense
Ocupación	Director de cine, productor
Años activo/a	1921-1976
Características físicas
Estatura	1,70 m
Familia
Cónyuge	Alma Reville (1926-1982)
Hijo/s	Patricia Hitchcock (1928)
Premios
Premios Óscar	Premio en Memoria de Irving Thalberg 1967
Globos de Oro	Premio Cecil B. DeMille 1972 Premio a la Trayectoria Profesional Mejor programa de televisión 1958 Alfred Hitchcock Presents
Premios BAFTA	BAFTA Honorífico 1971
Otros premios	Premios Saturn 1994 Premio a la vida profecional

Sir Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899-Bel Air, Los Ángeles, 29 de abril de 1980)1 fue un director de cine y productor británico.

Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico.

Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.

A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico distintivo y muy reconocible.

Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeurismo, empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico.

Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio.

Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.

Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico, apareció el primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos y es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.

Hitchcock no logró ningún Oscar

Alfred Hitchcock sintió el desprecio de la industria cinematográfica estadounidense, ya que estuvo nominado en cinco ocasiones al Oscar al mejor director por «Rebeca», «Naúfragos», «Recuerda», «La ventana indiscreta» y «Psicosis», pero nunca obtuvo la estatuilla.

Hasta el final de su carrera cinematográfica no recibió ningún premio como director.

En 1968 en la ceremonia de la Academia, recibió el Irving Thalberg, que premia a personajes significativos en el mundo de la producción cinematográfica.

Cuando Hitchcock subió a recogerlo, cabizbajo y serio en todo momento, llegó al micrófono y, aunque algunos esperaban un ingenioso e irónico discurso, el director sólo se limitó a decir «gracias».

Alfred Hitchcock no recibió ni un Oscar, ni tan siquiera el honorífico. Aunque él mostraba indiferencia por ello, en privado y en lo más íntimo mostró su amargura. A sus pocos amigos se refería al premio como una «eterna dama de honor, jamás novia». Sin embargo, en público mostró su impasibilidad ante el Oscar cuando decía: «¿Para qué quiero otro sujetapuertas?».

En 1971 recibió un BAFTA como reconocimiento de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión a toda su carrera profesional como director; y en 1972, en honor a su trayectoria profesional, recibió el Premio Cecil B. DeMille en la gala de los Globos de Oro en Hollywood.

sábado, 3 de octubre de 2015

B4CE2EA2.3 El Plano Secuencia (La Soga de Alfred Hitchcock)

‘La soga’ (‘Rope’, Alfred Hitchcock, 1948) representa la primera película en la que el maestro del suspense tuvo absoluta libertad para todo. Su relación con David O. Selznick, que le había producido varios films, se volvió totalmente insostenible y Hithcock montó su propia productora, Trasatlantic, con la que emprender nuevos y ansiados proyectos. El material de la obra teatral de Patrick Hamilton que reunía sexo, comida y un crimen era algo que tentó muy fuerte a Hitchcock.

Además la película fue “la primera” en muchas cosas. Fue el primer film en color filmado por el director, que experimentó hasta la saciedad con la iluminación. Fue la primera colaboración con James Stewart, con quien hizo tres películas más. Fue también el primer film de “los cinco films perdidos de Hitchcock” debido a que el director retuvo los derechos dejándolos como herencia a su hija, quien en 1984 re-descubrió la película al mundo junto con las otras cuatro, ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’, 1954), ‘Pero… ¿quién mató a Harry?’ (‘The Trouble with harry’, 1955), ‘El hombre que sabía demasiado’ (‘The Man Who Knew Too Much’, 1955) y ‘Vértigo’ (‘Vertigo’, 1958). Casi nada.

Pero ante todo fue su primer gran experimento, aquel que resultó de su mala experiencia con Selznick, pero que en cierto modo contradecía sus teorías sobre la narración cinematográfica a base del montaje. Hitchcock quería realizar una película en un sólo y largo plano secuencia, acercando el cine al teatro. Debido a la imposibilidad —cada rollo de película daba para unos diez minutos— realizó determinados cortes

El alto contenido homosexual de la obra teatral —dos homosexuales cometen un asesinato para demostrar superioridad intelectual, y son descubiertos por un antiguo profesor que estuvo liado con ellos— puso en jaque la adaptación. A finales de los años 40, el tema de la homosexualidad no era precisamente del agrado de muchos —aún no lo es hoy día, pero imbéciles habrá en todas las épocas—, y así hubo que anular ciertos detalles al respecto en el guión que escribió Arthur Laurents a partir de una adaptación de Hume Cronyn, amigo personal de Hitchcock.

Un ejercicio de suspense

Para empezar Hitchcock contó con dos homosexuales como John Dall y Farley Grangerpara los personajes de la pareja de jóvenes que tergiversan las enseñanzas del profesor Rupert, papel con el que la presencia de James Stewart anula por completo las insinuaciones gays hacia su personaje, puesto que el actor era muy querido por el pueblo medio americano al haberles representado varias veces, sobre todo las órdenes de Frank Capra —nota mental, hacer un especial sobre ese genio—.

La intención de Hitchcock no fue poner sobre la mesa postulados sobre el asesinato y la loca idea de que ello sería un privilegio para mentes superiores que librarían al mundo de gente inútil —la idea es peligrosa, pero no deja de tener su atractivo—, sino establecer un divertido juego de suspense gracias al planteamiento —los asesinos esconden el cadáver en un arcón que luego convierten en un mesa de cena para una fiesta—, y sobre todo a la técnica de filmación que fue toda una innovación y que nadie se atrevió a repetir desde entonces.

El guionista estaba en desacuerdo con mostrar el asesinato al inicio porque según él desaparecía todo suspense; Laurents era de la opinión que sería mucho mejor no mostrarlo, así el espectador se preguntaría todo el relato si allí hay un cadáver o no. Sin embargo, creo que la decisión de Hitchcock fue mucho más acertada por lo retorcido de la acción/reacción. Al saber que allí hay un cadáver, el espectador sufre cada vez que están a punto de ser descubiertos los asesinos y su horrible crimen. ‘La soga’ es una película en la que el espectador sufre con el asesino, inexplicablemente está de su lado, algo que repetiría Hitchcock más veces en su filmografía.

Un rodaje complicado

Mientras todos sufrieron con la filmación de ‘La soga’, los actores Sir Cedric Hardwicke y Constance Collier —que suelta un chiste sobre ‘Encadenados’ (‘Notorious’, 1945)— , de amplia experiencia teatral, gozaron de lo lindo con el rodaje. Éste se llevó a cabo en un piso móvil, cuyas paredes y demás elementos se movían a gusto del director, que tenía que pasar con la cámara —las de color, por aquel entonces, eran de gran tamaño— mientras el equipo iba moviendo todo a su paso. Como las tomas se realizaban del tirón durante nueve minutos, hubo que repetir unas cuantas veces, sobre todo por lo concerniente a la luz.

La historia pretende narrarse en tiempo real, un tiempo real en verdad manipulado por Hitchcock, ya que hablamos de un asesinato, una fiesta posterior y el descubrimiento del crimen, demasiados hechos para 77 minutos. Pero todo avanza con inusitada fluidez. La iluminación de las tomas finales, que suceden de tarde/noche requirieron de repetición, dando a Hitchcock la oportunidad de lucirse con sus conocimientos de iluminación adquiridos en sus años mozos en el cine alemán.

En cuanto a los famosos cortes, hay nueve en todo el relato, además de lo dicho anteriormente sobre dirigir la cámara hacia la espalda de uno de los personajes para cerrar objetivo y luego seguir a partir de ahí, el truco es demasiado visible. Queda mucho mejor el corte de montaje cuando Phillip (Granger) grita al desmentir una historia sobre el estrangulamiento de un pollo y vemos la reacción del personaje de James Stewart. Mientras que el resto de cortes fueron por necesidad, éste ayuda además a la narración como elemento emocional.

Un instante de rodaje de ‘La soga’

El juego de las sutilezas y la mentira

Con todo ‘La soga’ es una película magistral, y aquella en la que la definición de Hitchcock sobre el suspense —algo que conoce el espectador y desconoce el personaje— alcanza su máxima expresión; un ejercicio de puro cine que además navega sobre una dudosa moralidad —el film fue prohibido en muchos cines de los Estados Unidos—, y con algunas sutilezas nunca lo suficientemente reivindicadas. Quiero señalar la escena inicial del asesinato, que con los jadeos representa una escena sexual pura y dura, acercando no sin razón la violencia al sexo, algo a lo que muchos tienen un incomprensible y estúpido miedo.

El segundo detalle sutil, y también soberbio porque está ahí durante casi todo el metraje es al respecto del personaje de Rupert (Stewart) y sus creencias, junto con las de los asesinos, sobre la superioridad e inferioridad de los seres humanos. Mientras todos en la fiesta tratan a la criada como lo que es, una criada, con cierto distanciamiento e incluso condescendencia, Rupert es el único que la trata de tú a tú, sin hacer ningún tipo de distinción social, la única prueba para mí de que Rupert no cree en sus propias teorías, convertidas por dos muchachos demasiado egocéntricos en un crimen irreparable.

Probablemente el instante más recordado de la cinta sea aquel en el que el suspense se vuelve inaguantable, cuando la criada en plano fijo, mientras oímos al resto de personajes en fuera de campo, recoge los platos y candelabros del arcón y se dispone a guardar libros en el mismo. Ese momento, sin cortes de ningún tipo es puro Hitchcock, un autor que era capaz de atreverse a lo que otros ni soñaban, demostrando el gran poder de la mentira cinematográfica, al alcanzar la verdad con ella.

Película completa

lunes, 28 de septiembre de 2015

B1CE2 Principales Formas de Representación Icónica. 1.2.6 ABSTRACCIÓN

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales.

La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.1

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa.

La abstracción existe con cierta graduación.

Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable.

La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta.

La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible.

El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes.

Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fovismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo.

Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fovismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferente sabstracciones geométricas y constructivas.

Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas.

Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fovismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

Kandinsky

Cubismo

Abstracción geométrica

Informalismo

B1CE2 Principales Formas de Representación Icónica. 1.2.5 IDEALISMO

Idealismo artístico

La estética neoclásica es un ejemplo paradigmático de arte idealista.

El idealismo es un planteamiento artístico que busca la representación fiel de la realidad, al igual que el realismo artístico; pero al contrario que en éste, lo hace mediante una fidelidad purificada de lo vulgar a través de la sensibilidad del artista. La representación de esta realidad es abstraída para eliminar cualquier ausencia de refinamiento y mostrar sólo lo bello. Para ello muchas veces se plasma la escena eligiendo distintos elementos tomando sólo lo mejor de cada uno y reuniéndolos todos juntos en un mismo conjunto. El arte idealista es un arte ligado a las leyes académicas y, en el arte occidental, a las bases fijadas en la antigüedad greco-latina.¹ Las obras de estética idealista pretenden alcanzar valores estéticos tales como la elegancia, la mesura, el equilibrio y la composición cerrada; procurando evitar la vulgaridad, los excesos, los contrastes violentos y todo tipo desequilibrios.

El idealismo, en el ámbito de la teoría del arte y la estética, afirma la imaginación e intenta realizar concepciones mentales de la belleza y patrones o cánones de la belleza; por oposición a las posturas estéticas opuestas: el naturalismo y el realismo.

En la pintura, el idealismo es una forma de representar la realidad con un nivel muy alto de fidelidad, similar al realismo artístico. Sin embargo, se opone a este último ya que intenta purificarla de cualquier elemento vulgar o carente de belleza, según la visión propia de cada artista. Sólo los aspectos de mayor elegancia y refinamiento pasan el filtro de dicha abstracción, dando como resultado escenas forzosamente fluidas, sin mucho contraste y equilibradas artificialmente.

La muerte de Sócrates 1787 realizada por el artista francés Jacques-Louis David

B1CE2 Principales Formas de Representación Icónica. 1.2.4 NATURALISMO

Naturalismo es un término que, en el contexto de la historiografía del arte, la estética y la teoría del arte puede ser aplicado a muy distintos conceptos.

En historia de la pintura, la bibliografía denomina naturalismo a distintos movimientos pictóricos:

A finales del siglo XVI y comienzos del siglo XVII, a la pintura del barroco inicial, que también puede recibir otras denominaciones, como caravaggismo (por Caravaggio) tenebrismo (por el uso del claroscuro).

Tenebrismo

A finales del siglo XIX, de forma paralela al naturalismo literario, a un movimiento pictórico francés que acentúa las características sociales del realismo en pintura.

Charles Cottet

Aplicado a principios estéticos o de teoría del arte, el término "naturalismo" se utiliza muy a menudo de forma intercambiable con el término "realismo".

B1CE2 Principales Formas de Representación Icónica. 1.2.3 EXPRESIONISMO

Expresionismo

Fränzi ante una silla tallada (1910), deErnst Ludwig Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX.

Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.

Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.

Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como El Greco o Francisco de Goya.

El Greco The Vision of Saint John, ca. 1608–

Saturno devorando a su hijo. Francisco de Goya Pinturas negras, 1819-1823

Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).

Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc.

Edward Munch 1863-1944

Rouault 1871-1958

Die Brücke (El puente) 1905-1910

Paul Klee 1879-1940

Kandinsky 1866-1944

Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani,Chagall) y americanos (Orozco, Rivera).

Amadeo Modigliani 1884-1820

Chagall 1887-1985

Orozco 1883-1949

Diego Rivera 1886-1957

En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.

domingo, 27 de septiembre de 2015

B1CE2 Principales Formas de Representación Icónica. 1.2.2 REALISMO

El Realismo pictórico, es un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad.

Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura.

En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta a las artes plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión generalizada.

El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar. El manifiesto se basaba en lo siguiente:

La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.

No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.

Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

La ideología del arte realista

Desde el punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se aprecia un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución industrial. Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo.
Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.

Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. El arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios.

Pintura Realista

En las décadas centrales del S. XIX, el Romanticismo y su idealización de la historia, de la sociedad y sobre todo de la naturaleza, cuyo tratamiento era un motivo de evasión, deja paso a una corriente que se interesa por la realidad.

El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.
La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos.
Con ello, las condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías. Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas lacras.

El hombre es representado en sus tareas normales y el tema de la fatiga se convierte en motivo de inspiración.

Quienes mejor manifiestan este cambio son los paisajistas de la Escuela de Barbizón, que a través del paisaje transmitieron la conquista de la realidad. La escuela fue creada por Rousseau y la integraron un grupo de artistas que se propusieron construir un tipo de pintura diferente. Realizaron un estudio objetivo y directo de la naturaleza plasmando los sentimientos que ésta les despertaba. A ellos les debemos el inicio de la práctica de pintor al aire libre, pues tomaban sus apuntes directamente de la naturaleza y luego ejecutaban sus obras definitivas en el estudio.

Jean François Millet (1841-1875), hijo de campesinos pobres, fue uno de los máximos representantes de la Escuela de Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste trae consigo. Contempló de cerca la situación en la que vivía, pero no la denunció en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó la realidad. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.

El Ángelus. Millet

La Colada. Millet

Los Gavilladores. Millet

Las Espigadoras. Millet

En esta última, muestra el trabajo rural, pero haciendo hincapié en lo social. Tres campesinas ataviadas con la vestimenta típica normanda recogen inclinadas los restos de la cosecha, el trabajo más duro y menos reconocido entre las tareas rurales. Sus posturas reflejan la fatiga que provoca su labor. Los personajes se sitúan en primer plano elevándolos a la categoría de héroes y la iluminación infiere dramatismo a toda la escena.

Las pinturas de Gustave Courbet (1819-1877) suscitaron enormes polémicas por su selección de temas vulgares como Un entierro en Ornans (1849) y por sus ideas pragmáticas sobre el arte. Ornans es su pueblo natal. Este entierro es una de las obras en las que más claramente aparece una manera nueva de ver la realidad. El tema se podía haber tratado solemnemente, pero lo hace de forma peculiar, es un cuadro desolador. Se trata de un entierro en un pueblo al que asisten los aldeanos y el clero y apenas hay diferencias entre ellos, en un intento de hacer crítica.
Al contrario que en los cuadros que representan entierros y en los que está presente lo religioso invocando el más allá, aquí todo es deprimente, no se espera ni se cree nada.

Un entierro en Ornans. Gustave Courvet

Una de sus obras más significativas, que denotan el modo de ser del autor, es El Taller (1855). Aquel año, no siendo admitido por el jurado en el Salón, inauguró una exposición particular paralela a la Exposición Universal y allí exhibió su enorme lienzo. En el cuadro resume su mundo social. Courbet aparece en el centro dando los últimos retoques a un paisaje de su tierra natal, un muchacho mira como pinta y detrás del artista está su musa, un bello desnudo de mujer que personifica sus modelos vivientes. A la derecha, sus amigos, los artistas, y a la izquierda, los miserables y quienes viven explotando su miseria.

El Taller del Pintor. Gustave Courvet

Otras obras son Buenos días, señor Courbet (1854), Jóvenes a orillas del Sena (1856-57), La Siesta (1866), Mujer en las olas (1866), Las Bañistas (1853). Cultivó el desnudo femenino con gran libertad e incluso a veces con total impudor. Su trayectoria artística se mezcla con su actividad política, llegando a ser director de Bellas Artes durante el periodo de La Commune de 1871. Al término de esta experiencia revolucionaria tuvo que exiliarse en Suiza, donde falleció en 1877.

Buenos días, señor Courbet (1854)

Si Millet se muestra conformista con la realidad que le toca vivir, Honoré Daumier (1808-1879) se muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados grupos sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo de la marginación como Los presos y Los mendigos. En El vagón de tercera clase reivindica la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades. La ternura que despiertan los personajes en el espectador contrasta con la sofisticación industrial del tren.

El vagón de tercera clase

En El baño de las muchachas, los personajes son mujeres que se bañan en el Sena, en plena ciudad. Es una imagen patética. Aparece una muchacha que se moja los pies acompañada de una serie de personajes amorfos, casi sin facciones ni rasgos que representan trabajadores. Sus vidas se limitan al trabajo, el esfuerzo los deforma y les roba su identidad.

También fue un gran difusor de la caricatura , mediante la que hacía críticas mordaces a la sociedad y al gobierno de Luis Felipe de Orleáns, lo que le costaría la cárcel

Los artistas realistas

Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas. Sin embargo, Courbet se distancia clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el arte.Courbet rechaza la realidad que le rodea, pero, en vez de huir, lo que haces es mostrárnosla en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en contra.

Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo, críticos e historiadores le han acusado de traicionar el verdadero espíritu realista porque endulza en exceso la vida de los campesinos –su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués.

Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.

ESCULTURA Y REALISMO:

Entre los escultores de la época realista, quien más destaca es Auguste Rodin (1840-1917).
Desde su primera gran obra, La Edad de Bronce (1877), provocó un gran debate motivado por su intenso realismo. Algunos críticos acusaron al artista de haber realizado la escultura sobre un propio modelo vivo.

La Edad de Bronce

Más tarde, una segunda escultura, Predicación de San Juan Bautista (1879), revelaría la principal característica de su arte: el establecimiento de los gestos humanos. Ese mismo objetivo se reflejaría en su obra El Pensador, probablemente la obra más conocida del autor.

De hecho, incluso la clasificación de la obra de Rodin lo más realista es controversial. Algunos críticos lo consideran romántico debido a la fuerte emoción que traducen sus obras. Todavía hay quienes ven la escultura de Rodin características del impresionismo, un movimiento al que fue contemporáneo y que revolucionó, en la época, a la pintura europea.

Auguste Rodin

El Pensador.

sábado, 26 de septiembre de 2015

LARGOMETRAJE. Animación para adultos (Comic. Drama. Biográfico). PERSÉPOLIS (2007) de Marjane Satrapi

professor dicit

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