Largometraje (Cine dentro del cine).- HUGO (2011) de Martin Scorsese

1.- Datos Técnicos

Título original

Hugo (Hugo Cabret)

Año

2011

Duración

127 min.

País

Estados Unidos

Director

Martin Scorsese

Guión

John Logan (Libro: Brian Selznick)

Música

Howard Shore

Fotografía

Robert Richardson

Reparto

Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law,Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour

Productora

GK Films / Infinitum Nihil / Warner Bros. Pictures

2.- Género
Aventuras. Drama. Fantástico. Intriga | Años 30. Cine dentro del cine.

3.- Sinopsis
París, años 30. Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano, relojero y ladrón que vive entre los muros de una ajetreada estación de trenes parisina. Nadie sabe de su existencia hasta que le descubre una excéntrica niña (Chloë Moretz) junto a la que vivirá una increíble aventura... 

4.- Premios

Oscars: 5 premios técnicos. 11 nominaciones, incluyendo mejor película y director 

• 5.- Críticas
  
  
  "Una carta de amor al cine y al público (...) 'Ven y sueña conmigo', pide un cineasta en la exquisita fantasía 'Hugo', una invitación que claramente es formulada por el propio Scorsese (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" 
  

  Elizabeth Weitzman: New York Daily News 
• "'Hugo' es distinta a cualquier otra película que haya hecho nunca Martin Scorsese y posiblemente, la más cercana a su corazón: un cine épico (...) y, en muchos sentidos, un espejo de su propia vida (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" 
  

  Roger Ebert: Chicago Sun-Times 
• "Scorsese construye 'Hugo' al estilo Méliès, montando un mundo parisino completo y deslumbrante en un plató en Inglaterra y revelando la pura alegría de ello. 'Hugo' te dejará sin aliento (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" 
  

  Peter Travers: Rolling Stone 
• "Aunque es preciosa, 'Hugo' nunca parece como la infancia, nunca hace sentir el terror, la sensación de injusticia ante las reglas adultas, la sensación de descubrimiento cuando todo es nuevo (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" 
  

  Kyle Smith: New York Post 
• "En un intento de hacer su primera película para todas las edades, Martin Scorsese ha creado una película eterna. Simultáneamente clásica y moderna, popular pero también insobornablemente personal"  
  

  Peter Debruge: Variety 
• "'Hugo' es grande, y existe principalmente para resplandecer, pero sus ambiciones narrativas son más modestas. La disfruté más que muchas de las últimas películas de Scorsese" 
  

  Michael Phillips: Chicago Tribune 
• "Es preciosa visualmente, utiliza inmejorablemente las tres dimensiones, es un tributo sincero y de amor al cine y a los libros. Pero fallan demasiadas cosas." 
  

  Carlos Boyero: Diario El País 
• "La última película de Scorsese es la historia de la bella resurrección del cine" 
  

  Sergi Sánchez: Diario La Razón 
• "La película encarna un modelo de cine infantil tan raro, profundo y virtuoso que el mayor enigma para este crítico es la aparente incapacidad del conjunto para hacer vibrar las almas" 
  

  Jordi Costa: Diario El País 

  
  

B3 La Imagen en Movimiento 5.1 Modificación de Piezas Videográficas

    James Stewart atormentado con las películas de Stanley Kubrick desde La Ventana Indiscreta de Hitchcock





TIMELAPSE DE LA VENTANA INDISCRETA (1954), ALFRED HITCHCOCK


Rear Window Timelapse from Jeff Desom on Vimeo.


Todas las imágenes han sido tomadas de ‘Rear window’ (1954) dirigida por Alfred Hitchcock. El video que homenajea a una de las grandes películas del mago del suspense ha recibido el primer premio del Festival Vimeo 2012 en la categoría ‘Remix’. La música de fondo es la Hungarian Dance No. 5 compuesta por Johannes Brahms. Este magnífico trabajo nos adentra en la excepcional atmósfera de la película y nos sirve de pretexto para hablar de uno de los grandes trabajos cinematográficos del director inglés.



Adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich, que le sirve al maestro Hitchcock para ofrecer un ejemplar ejercicio de vouyeurismo (casi en un auto homenaje, pues Sir Alfred se consideraba un incontinente mirón). La película no es más que un refinado tributo al cine y al cinéfilo, partí­cipe desde la mirada irónica del director británico de las diferentes y cotidianas intrahistorias.

Supo retratar a una gran cantidad de personajes, desde una escultural bailarina, un matrimonio que alivia su calor estival durmiendo en el balcón, la infeliz señorita corazón solitario hasta un músico sin mucho éxito o una fogosa pareja de recién casados. También el carácter, narrado solo con imágenes, de un frío y calculador marido que se deshace de su mujer y que hace avanzar la trama.

El filme, claustrofóbico y absorbente a la vez, nos deleita con una gran interpretación deJames Stewart, acompañado por la rubia favorita del director, Grace Kelly, siempre refinada en sus modales y apariencia (vestida en esta ocasión por la omnipresente Edith Heath), sin olvidar el trabajo de Thelma Ritter y Raymond Burr, secundarios de lujo para cualquier producción cinematográfica.



La tensa narración Hitchcockiana, la puesta en escena en un reducidí­simo espacio, la magní­fica utilización del tempo como expositor de la situación de suspense o la brillante fotografí­a deRobert Burks hacen de este tí­tulo uno de los mejores trabajos del inigualable autor inglés.

Cine Documental.- El Timo del Calentamiento Global

1. Datos Técnicos.

Título original   The Great Global Warming Swindle (TV)

Año  2007

Duración  74 min.

País  Reino Unido

Director  Martin Durkin

Guión  Martin Durkin

Productora  Channel Four

2. Género Documental

3. Sinopsis

Polémico documental que cuestiona la implicación del hombre en el cambio climático. Fue definido como la visión opuesta a "Una verdad incómoda", el exitoso documental de Al Gore.

TAREA 05.- CA1. Una misma noticia en diferentes medios (03 Noviembre)

Para realizar este trabajo necesitarás:

- Un ordenador con conexión a internet.

- Blog personal.
- Leer detenidamente las instrucciones.

- Una hora de trabajo en casa.

- Sentido común.

1.- Previos

Como suele ser habitual en estas ocasiones, el análisis que realiza la prensa de la cualquier acontecimiento político o social es muy diferente según el diario.

Vamos a comparar el análisis que realizan los periódicos españoles de una misma noticia viendo estos tres ejemplos;  Una huelga general en 2012 como protesta a la gestión del gobierno de Mariano Rajoy , La visita del Papa, La confianza del mercado en el gobierno de Rajoy.

La huelga general:

La mayoría de los medios coincide en que la huelga no tuvo el gran seguimiento que después si tuvieron las manifestaciones que recorrieron las distintas ciudades españoles.

- El diario que más se desmarca del resto con su portada es ‘La Razón’, que en grandes letras titula “Fracasados”, con una gran foto de la cabecera de la manifestación capitaneada por los principales líderes sindicales, entre ellos Toxo y Méndez. De la pancarta que sujetan, en la que ponía “Nos dejan sin futuro”, sólo pueden leerse las palabras “sin futuro”, que unidas al titular terminan componiendo una portada bastante agresiva.

- 'El País', por su parte, destaca el éxito de las manifestaciones con el titular “Cientos de miles de personas exigen en las calles que Rajoy rectifique”, aunque en el antetítulo sí reconoce el poco seguimiento de la huelga: “Masivas manifestaciones culminan una huelga general de impacto moderado”.

- 'ABC', que nada dice en su portada sobre las manifestaciones, habla de que “España prefiere trabajar” y de “Fracaso de la huelga general”. La palabra “fracaso” es doblemente empleada por El Mundo, que titula “De fracaso en fracaso” y dice que “la huelga fue incluso menos seguida que la de marzo”.

La visita del Papa:

En el verano 1911, el Papa visitó nuestra capital para celebrar las Jornada Mundial de la Juventud. La policía disolvió una manifestación laica que pretendía manifestar su disconformidad con la Iglesia y la colaboración que prestaba el ayuntamiento de Madrid.

Observad la diferencia entre los titulares que supuestamente explican la misma noticia.

Mientras “El Pais” culpabiliza a la policía de los altercados “La policía disuelve a golpes la concentración laica en Sol”, el periódico “El Mundo” tiene una visión totalmente opuesta “Los anti Papa agreden a los católicos y la Policía no actúa”

La confianza en el Gobierno de Rajoy:

(viernes, 19 julio 2013)

La Razón y El Mundo llevan hoy portadas antitéticas

Dos diarios llevan este viernes el mismo tema en su portada. Se trata del efecto y la repercusión que los escándalos de corrupción y en concreto el ‘caso Bárcenas’ están teniendo, o pueden tener, en los mercados financieros a nivel internacional. Sin embargo, llama la atención que el enfoque de este mismo tema en uno y otro diario es radicalmente distinto y sus titulares se contradicen. Mientras que El Mundo titula “4 bancos de inversión destacan el deterioro que sufre Rajoy”, La Razón asegura que “El mercado confía en Rajoy”.

El diario que dirige Paco Marhuenda muestra algunos datos de la subasta del Tesoro realizada ayer en los que basa su tesis, como los 3.063 millones en bonos a 3 y 5 años y obligaciones a 10 años, que se colocaron ayer. Muestra también el dato de los 314,9 puntos en los que terminó la prima de riesgo e ilustra estas gráficas con una fotografía de Bárcenas y con un segundo subtítulo referido a él: “El presidente está dispuesto a comparecer en el Congreso, pero no en un pleno sólo sobre Bárcenas”.

Por su parte, El Mundo resumen en cuatro puntos la lectura que hacen cuatro grandes bancos internacionales sobre la situación política en España. Todos ellos hablan de “deterioro”, “entorno complicado” y posible “dimisión” de Rajoy.

2.- Descripción del Ejercicio

Al igual que en los tres ejemplos anteriores, debes encontrar alguna noticia en la que se aprecien significativas lineas editoriales de al menos dos periódicos y reflexionar acerca de las intenciones de cada uno de los medios.

Deberás ilustrar tu análisis con capturas de pantalla (en caso de periódicos digitales) o imágenes de las portadas.

La actualidad está llena de acontecimientos que te podrían servir, basta con que busques las portadas y los titulares,  y  expliques brevemente la intención (posiblemente manipuladora) de cada uno de los medios

3.- Ayuda

Compara los titulares en periódicos o prensa digital con una linea editorial crítica con el gobierno de Rajoy (PÚBLICO, EL PAIS..) con otros medios incondicionalmente afines (ABC, LIBERTAD DIGITAL o EL MUNDO (aunque éste último se está desmarcando últimamente de su apoyo al gobierno conservador))

4.- Modo de Entrega

Una vez subida la entrada al blog deberás enviarme un email a  profe1bar@gmail.com con el enlace a la entrada del ejercicio y asunto “T5 CA1 BA1-A(o B) Nombre y apellidos. Una misma noticia vista por diferentes medios ”

5.- Fecha de Presentación (03 Noviembre)

En el caso de que el correo con el enlace a la entrada de tu blog se haya enviado fuera del plazo de presentación, el ejercicio será evaluado con un “0” a efectos de la nota de la primera evaluación. 

Después de la entrega de boletines, el ejercicio entregado fuera de plazo será evaluado con su nota correspondiente pero solo será tenido en cuenta como recuperación.

6.- Evaluación

Se evaluará positivamente

- Correcta elección de la noticia y los medios a analizar.

- Sentido crítico en el análisis de los titulares.

- Redacción coherente y sin faltas de ortografía. 

- Utilización correcta de las nuevas tecnologías (Envío de email y publicación de texto con imágenes en el blog personal)

B1 IMAGEN Y SIGNIFICADO. 1.4 Evolución de los medios y lenguajes audiovisuales. 1.4.2 Evolución de la imagen en movimiento

El Experimento:"El Caballo en movimiento"

                                

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. 
Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de San Francisco, afirmaba lo contrario. 

En esa época no se conocía una manera de demostrar quién tenía razón, hasta que Leland Stanford ideó un sencillo experimento:Este consistía en un método que fotografiaba al caballo en las diferentes etapas de su galope y que proporcionaría una vista completa de todo el trayecto recorrido; para lo que Stanford encargó a Eadweard Muybridge, que tratara de captar con su cámara el movimiento de su caballo de carreras Occident. 

Sin mucha confianza en el resultado, Muybridge se prestó a fotografiar a Occident trotando a unos 35 km/h en el hipódromo de Sacramento. 
Pidió a los vecinos de la zona que le prestaran muchas sábanas de color blanco y las colgó en torno a la pista a manera de fondo, sobre el que destacara la figura del caballo. 
En mayo de 1872, Muybridge fotografió el caballo Occident, pero sin lograr un resultado, porque el proceso del colodión húmedo exigía varios segundos para obtener un buen resultado. Muybridge desistió durante un tiempo de estos experimentos. 

Más adelante realizó un extenso viaje por América Central y del Sur, donde fotografió las construcciones de las líneas ferroviarias. Al volver, reemprendió su trabajo sobre la fotografía de acción, logrando en abril de 1873 producir mejores negativos, en los que fue posible reconocer la silueta de un caballo. 

Esta serie de fotografías aclaraba el misterio (dándole la razón a Stanford), mostrando las cuatro patas del caballo por encima del suelo, todas en el mismo instante de tiempo. 
No trató de tomar las fotografías con una exposición correcta, pues sabía que la silueta era suficiente para poder definir la cuestión. 

Sus primeros intentos habían fallado porque el obturador manual era demasiado lento para lograr un tiempo de exposición tan breve como precisaba. Así pues, inventó un obturador mecánico, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y dejaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición record de 1/500 de segundo.

  El zoopraxiscopio

En octubre de 1878, la revista Scientific American publicó seis grabados hechos sobre negativos ampliados de fotografías de Muybridge, donde se veía a un caballo moviéndose al paso y al trote. La revista proponía a sus lectores que recortaran las ilustraciones y las montaran en un zootropo, un cilindro que produce la ilusión de movimiento cuando gira y las imágenes se observan a través de una ranura lateral. 

Zootropo

El efecto que se consigue se basa en la “persistencia retiniana”. Cuando el ojo humano ve una serie de imágenes similares y con cambios continuos que se suceden con la suficiente velocidad —diez o más imágenes por segundo— el cerebro las interpreta como un movimiento real, dando la impresión de un movimiento continuo. Ahora bien, si las imágenes no estuvieran separadas unas de otras, se verían borrosas.

Muybridge pensó que se podrían mejorar los resultados proyectando las imágenes sobre una pantalla e inventó un aparato que utilizaba la luz para proyectar imágenes secuenciales mediante el uso de un disco de cristal, invento al que bautizó con el nombre de zoopraxiscopio. En el primer proyector las imágenes eran pintadas en el cristal como siluetas. 

Una segunda serie de discos, realizados entre 1892 y 1894, usaba dibujos perfilados impresos en los discos fotográficamente y coloreados a mano.











                   




Algunas de las imágenes animadas eran muy complejas, incluyendo múltiples combinaciones de secuencias de movimientos de animales y humanos. 

En 1888, mostró sus fotografías de caballos a Thomas Edison, debido a que este, junto con William K. L. Dickson eran los inventores del fonógrafo para sugerirles la posibilidad de combinar ambos inventos para mostrar imágenes sonoras. Aunque la idea nunca se llevó a la práctica, 

Edison sí empleó una serie de fotografías de caballos en su kinetoscopio, aparato precursor del proyector de cine.

 Los inventos de los hermanos Lumiére y Thomas Edison dieron lugar a la primera experiencia cinematográfica. El Kinetoscopio, inventado por Edison era un aparato que portaba una bobina que reproducía una "película" La proyección de esta película tenía lugar en una cabina en la que solo cabía una persona.

Este vídeo de youtube es un  resumen de las películas de Edison de 1894 a 1896

Los hermanos Lumiére presentaron en 1895 en el Gran Café de París un nuevo invento, el cinematógrafo. El equipo muy ligero, ofrecía películas sobre la salida de un grupo de obreros de la fábrica de lumiére o la llegada de un tren a la estación.

Pronto se convirtió en un buen negocio que les hizo mandar a sus operarios a tomar imágenes por todo el mundo.

La primera película de ciencia ficción se proyectó en 1902, Viaje a la LUna de George Meliés. Meliés era prestidigitador y tendía a jugar con efectos de aparición y desaparición de objetos y personas. Recortando y pegando o dibujando directamente sobre la película cinematográfica. Creaba efectos y apariciones de personajes que resultaban "mágicas".

La diferencia entre Meliés y los hermanos Lumiere es que estos últimos representaban documentales de la realidad, Meliés introduce la manipulación de la verdad o ficción, el cine.




Video de U2 homenajeando al zoopraxiscopio

MA Falso Documental. EL LADO OSCURO DE LA LUNA

El Lado Oscuro de la Luna es un falso documental o documental-ficción del canal televisivo francés ARTE France, rodado en el año 2002, con una duración de 52 minutos y dirigido por el director francotunecino William Karel.

En el documental se especula con la posibilidad de que la llegada del hombre a la Luna por parte del Apolo 11 fuera un monumental engaño encargado por el entonces presidente Richard Nixon, y que las imágenes del hecho fueran rodadas en un estudio por Stanley Kubrick, quien por entonces rodaba 2001, Una odisea del espacio.

Para dar credibilidad, el director Karel incluyó entrevistas a personalidades como los secretarios de Defensa y Estado Donald Rumsfeld y Henry Kissinger, el entonces director de la CIA Richard Helms, el astronauta Buzz Aldrin, Alexander Haig y la propia viuda del director, Christiane Kubrick. No obstante, esas entrevistas fueron sacadas de contexto o se hicieron con preguntas vagas (a los entrevistados se les dijo que el documental era sobre el escándalo Watergate). Al final del documental se aclara que todo fue una broma y se ven tomas falsas en las que muestran riéndose a los participantes. También contribuyó el ser rodado y emitido por el canal especializado en documentales ARTE.

Como guiño a los seguidores de Kubrick, algunos personajes tienen nombres de personajes de filmes suyos, como Dimitri Muffley, suma de los nombres de los presidentes ruso y estadounidense en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, David Bowman, de 2001: una odisea del espacio, Jack Torrance de El resplandor; aparte de dos referencias a personajes de Con la muerte en los talones de Hitchcock, Eve Kendall y George Kaplan, y otra a El hombre que sabía demasiado (Ambrose Chapel). Otro personaje se llama W.A. Koenigsberg, una «construcción» entre las iniciales de Woody Allen (W.A.) y su nombre real, Allen Stewart Koenigsberg.

Su primera emisión fue el 1 de abril de 2004, día de los inocentes en Francia. También ha sido emitido en otros países en el día de los inocentes local.

Directores de Cine.- ORSON WELLES (1915-1985)

ORSON WELLES

(1915-1985)

Medía 1’87.



Admirador de la obra de William Shakespeare desde su infancia, antes de desembarcar en Hollywood, Welles ya había ganado cierta reputación en el mundo del teatro.

A la edad de 18 años emigró a Irlanda, trabajando en el experimental Gate Theatre a comienzos de los años 30.

Más tarde debutó con la compañía de Katherine Cornell tras ser recomendado por Thornton Wilder y Alexander Woollcott. En este período apareció en numerosas producciones basadas en obras de Shakespeare, debutando en Broadway con la representación de “Romeo y Julieta”.

En 1934 contrajo matrimonio con la actriz Virginia Nicholson y brilló con sus originales propuestas en el Federal Theatre Project, en donde colaboró con John Houseman.

Cuando sus avanzadas ideas sobre la expresión artística le llevaron a salir del Federal Theatre, Welles fundó junto a Houseman el Mercury Theatre, consiguiendo el éxito con sus representaciones radiofónicas y teatrales, entre ellas otras adaptaciones shakesperianas como “Macbeth” y “Julio César”.

El suceso que cambió su vida profesional ocurrió en el año 1938. Con actores de su compañía, Orson representó la obra de H. G. Wells “La Guerra De Los Mundos” en una versión radiofónica tan realista que provocó una gran conmoción y pánico entre sus oyentes, quienes, después de escuchar la presunta invasión de New Jersey por los alienígenas, salieron corriendo atemorizados a las calles pensando que el ataque extraterrestre era cierto.

Este extraordinario suceso elevó la fama del joven Welles, provocando que su nombre llegara a oídos de los estudios de Hollywood.



La RKO le ofreció una cantidad impensable para un principiante en las artes cinematográficas: 225.000 dólares más un plus sobre los beneficios y absoluta libertad creativa para rodar dos películas.

Orson, que había realizado un par de cortos con anterioridad, aceptó la oferta y comenzó a rodar su primer film, que en un principio se iba a titular “Americano”. Su principal influencia cinematográfica, además de los expresionistas alemanas, fue John Ford. No en vano Welles reconoció haber visto en múltiples ocasiones “La Diligencia” antes de iniciar el rodaje de su película debut.

Esta película contaba la historia de un magnate llamado Charles Foster Kane, basando el personaje en la figura de William Randolph Herst. Welles, que en 1939 se había divorciado de Virginia, rebautizó su proyecto con el nombre de “Ciudadano Kane” (1941).

Los resultados técnicos del film pasaron a la historia por su compleja puesta en escena, la detallada utilización del gran angular y la profundidad de campo, la fuerza de sus encuadres, los juegos de luces y sombras o la innovadora aplicación del montaje y el sonido.

La crítica recibió con entusiasmo la película pero la mala distribución del film y la campaña en contra orquestada por Hearst provocó que “Ciudadano Kane” fracasase en taquilla. A pesar de ello, la película recibió nueve nominaciones al premio Oscar, consiguiendo Welles y Herman J. Mankiewicz la estatuilla al mejor guión original.

Con decepción por el escaso resultado comercial, Orson encaró el rodaje de su segunda película llamada“El Cuarto Mandamiento” (1942).

Las mutilaciones infringidas por la RKO mientras el director estaba rodando un documental en Sudamérica (que finalmente no fue concluido por Welles) no terminaron de perjudicar a este magistral y oscuro drama familiar protagonizado por su amigo Joseph Cotten.

Lamentablemente “El Cuarto Mandamiento” supuso otro revés a nivel económico, hecho que derivó en su salida de la RKO.

Un año después del estreno del film, Welles contrajo matrimonio con Rita Hayworth, con quien tuvo a su hija Rebecca, nacida en 1944. Con anterioridad, en el año 1937, Orson había tenido junto a Virginia Nicholson a su primogénito Christopher Feder.

Antes de volver a aparecer acreditado como director, Welles intervino en películas como “Estambul” (1942) de Norman Foster,“Alma Rebelde” (1944), film de Robert Stevenson que adaptó la novela gótica “Jane Eyre” de Charlotte Brontë con el co-protagonismo de Joan Fontaine, o “Duelo Al Sol” (1946), película de King Vidor a la que puso su voz como narrador.

En “Alma Rebelde” y “Estambul” se aprecian claramente las influencias cinematográficos de Welles, llegando incluso a afirmarse que fue el propio Orson Welles el responsable de la dirección.



En 1946 realizó su tercera película gracias a la ayuda de Sam Spiegel, un productor independiente con el que grabó “The Stranger” (1946), un film con temática nazi co-protagonizado por Edward G. Robinson yLoretta Young.

Se trata de un film menor pero disfrutable, inferior a sus obras previas y a la siguiente, “La Dama De Shanghai” (1948), estupendo film negro basado en una novela de Sherwood King con las constantes visuales de su director que fue rodado junto a su esposa Rita Hayworth, con quien se hallaba en pleno proceso de divorcio.

En 1948 la pareja se separó. Con posterioridad, Orson Welles se casó con la actriz Paola Mori, con quien coincidió en varias películas, entre ellas “Mr. Arkadin” y “El Proceso”. También mantuvo una sonada relación sentimental con la cantante Eartha Kitt.

Con exigua fortuna en la taquilla y admirado por la crítica, el autor dio inicio a su extraordinaria trilogía sobre las obras de William Shakespeare con “Macbeth” (1948), cuyo fracaso comercial indujo a que Orson abandonase los Estados Unidos y emigrara a Europa, en donde rodó varias películas, trabajando también como actor en innumerables producciones con el afán de conseguir el lucro necesario para sus propios films como director.

Algunos de sus mejores títulos en tierras europeas fueron “El Tercer Hombre” (1949), película de Carol Reed con guión de Graham Greene narrada con un estilo muy semejante al de Welles en el que el interpretó el personaje de Harry Lime, o “Moby Dick” (1956), adaptación del clásico literario de Herman Melville que dirigió John Huston. También puso su voz como Dios en la película “Don Camilo” (1952) deJulien Duvivier.

El mismo año de “El Tercer Hombre”, Orson interpretó a César Borgia en “El Príncipe De Los Zorros” (1949) y se convirtió en “Cagliostro” (1949).

En Italia presentó la segunda parte de su trilogía shakesperiana, la excelente “Otelo” (1952), película que consiguió ganar en el Festival de Cannes. Con financiación española estrenó “Mr. Arkadin” (1955), un film con una disposición similar a “Ciudadano Kane” que no consiguió los resultados de su precedente a pesar de ser una muy estimable película.

Después de diez años alejado de Hollywood, Orson Welles retornó a su país para filmar uno de sus mejores títulos, “Sed De Mal” (1958), sensacional film noir co-protagonizado por Charlton Heston y Janet Leight que adaptó una novela de Whit Masterson.

En Europa rodó “El Proceso” (1962), absorbente comunión entre Welles y el escritor checo Franz Kafka con Anthony Perkins como Joseph K.

Como actor apareció en Hollywood en meritorias películas como “El Largo y Cálido Verano” (1958), título de Martin Ritt basado en escritos de William Faulkner, o “Impulso Criminal” (1959), film dirigido porRichard Fleischer en el que interpretó a un abogado.

De regreso a Europa culminó su trilogía shakesperiana en España con“Campanadas A Medianoche” (1965), amalgama de cinco obras del dramaturgo inglés. Con posterioridad filmó para la televisión francesa “Una Historia Inmortal” (1968), adaptación de un relato de Isak Dinesen, preludio de su última obra acabada, el documental “Fraude” (1973).

Hombre de gran personalidad y carácter independiente, Orson Welles, debido a su perfeccionismo enfermizo dejó muchos proyectos inconclusos, entre ellos una versión del Quijote de Cervantes comenzada en 1955, que sería posteriormente restaurada y estrenada después de la muerte de su autor, acontecida en Los Angeles el 9 de octubre de 1985 a la edad de 70 años.

Ciudadano Kane (1941)

El cuarto mandamiento (1942)

El extraño (1946)

Duelo al sol (1946)

Macbeth (1948)

La dama de Shangai (1948)

El tercer hombre (1949)

Mr. Arkadin (1955)

Sed de mal (1958)

El largo y cálido verano (1958)

El proceso (1962)

Un hombre para la eternidad (1966)

Campanadas a medianoche (1967)

Casino Royale (1967)

75 años de la Guerra de los Mundos

La dimensión de la figura de Orson Welles

B4CE2.3 El Plano Secuencia (Sed de Mal de Orson Welles)

Plano secuencia inicial de "sed de mal" dirigida por Orson Welles

Touch of Evil (Sed de Mal)

Rótulo del título en el reclamo de la película.
Título Sed de mal (Argentina yEspaña)
Sombras del Mal (México)
Ficha técnica
Dirección
Orson Welles
Producción Albert Zugsmith
Guion Orson Welles
Basada en Badge of Evil (1956), de Whit Masterson
Música Henry Mancini
Fotografía Russell Metty
Montaje Aaron Stell
Virgil Vogel
Walter Murch
Protagonistas Charlton Heston
Janet Leigh
Orson Welles
Josep Calleia
Akim Tamiroff
Marlene Dietrich


Estados Unidos
Año 1958
Género Cine Negro
Duración 108 minutos
Idioma(s) Inglés


Touch of Evil (en Argentina y en España, Sed de mal; en México, Sombras del Mal) es una película estadounidense del año 1958 dirigida por Orson Welles. Para muchos críticos, éste es el último gran filme del período clásico del cine negro estadounidense.


1 Sinopsis
2 Detalles de la película
3 Ediciones de la película
4 Notas
5 Enlaces externos




Janet Leigh y Charlton Heston en un fotograma delreclamo de la película.

Sinopsis
Mike Vargas (Charlton Heston) y Susan Vargas (Janet Leigh) son una pareja de recién casados formada por un policía mexicano y su mujer estadounidense que interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión de un auto conducido por un mafioso de la droga. El caso lleva al policía Vargas a trabajar en la investigación junto a Hank Quinlan (Orson Welles); un corrupto y obeso jefe de la policía estadounidense, que no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato.

Susan cae en las manos del grupo de mafiosos fronterizos. La mujer es drogada y usada para desprestigiar al correcto Vargas, con el fin de que este desista de su investigación. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa. Al final, Tanya (Marlene Dietrich) una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, presagia el triste y fatídico final de éste.
Detalles de la película

Touch of Evil significó el regreso de Welles a la producción en Estados Unidos, después de haber rodado tres filmes fuera de su país natal,Macbeth (1947), Otelo (1952) y Mister Arkadin (1955).

El proyecto llegó a manos de Welles en una época en que éste no gozaba de buena fama entre los productores de Hollywood, ya que muchos lo consideraban un director difícil que no era capaz de cumplir con un plan de trabajo. Fue el actor Charlton Heston quien logró imponer a Welles (debido a una confusión) y con total libertad creativa. Welles reescribió el guion, basado en una novela publicada en 1956 por Whit Masterson, e inició el rodaje al poco tiempo en Venice (California).

La película fue rodada en un riguroso blanco y negro por el director de fotografía Russell Metty, donde el uso de la luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas ayudan a crear la densa atmósfera del filme.

El largo plano secuencia de 3 minutos con el que inicia la película tardó 15 días en llevarse a cabo y se transformó en un plano mítico dentro de la historia del cine.
Ediciones de la película

Después de terminado el rodaje, los productores vieron el material y se extrañaron del camino tomado por el director. Consideraron que la película era demasiado confusa, por lo que la reeditaron e incluso rodaron escenas adicionales (con un director diferente) a espaldas de Orson Welles, que para ese momento se encontraba en España tratando de cumplir su sueño de rodar una adaptación de El Quijote. Éste primer corte de los productores fue estrenado en el año 1958 y significó un enorme fracaso comercial y de crítica.

A su regreso a Los Ángeles, Welles lamentó la decisión de los productores e insistió en que, para que la obra pudiese considerarse suya, se debían seguir una serie de indicaciones para realizar un nuevo corte del filme. Las indicaciones para la nueva edición fueron plasmadas por Welles en un extenso documento de 58 páginas que dirigió a la Universal, compañía productora de la película. Éste documento (que se creía perdido y del que por fortuna Charlton Heston guardaba una copia), sirvió de base para realizar en 1997 una nueva versión restaurada de Touch of Evil, la misma que fue estrenada en cines en 1998 y en DVD en el año 2000, 15 años después de la muerte Welles.

B1 IMAGEN Y SIGNIFICADO. 1.4 Evolución de los medios y lenguajes audiovisuales 1.4.1. La cámara oscura y la imágen fotográfica

1.4.1. La cámara oscura y la imágen fotográfica

Las propiedades físicas de la luz hacen que ésta pueda dirigirse en forma de rayos a través de un pequeño agujero, reflejar una imagen punto a punto y, al transmitirse en linea recta, proyectarla de forma invertida en la pared contraria del material

Este fenómeno fue ya observado por Aristóteles 300 años a.C, utilizado por Al-Hazem para crear la primera cámara oscura en el siglo XI y estudiado por leonardo da Vinci en el siglo XVI en relación con la perspectiva pictórica, pues el primer uso de este invento fue como útil para dibujar. La cámara oscura es el primer antecedente  tanto de la cámara fotográfica como del proyector de vídeo, diapositivas y cine.

        

Proyector de Athanasius Kircher, precursor de la linterna mágica.

la cámara oscura como instrumento para dibujar en el renacimiento

La Linterna mágica que no es mas que una caja de la que surge un haz de luz que pasa por una imagen transparente se complicó cuando se le colocaron ruedas que, al alejarse y acercarse producían imágenes de diversos tamaños.    En la actualidad podemos verlo en juegos para niños pero en el pasado fueron una importante revolución en un mundo en el que no existía la cámara fotográfica, ni la televisión ni ninguna de las tecnologías que ahora conocemos.

Pero el avance definitivo en el mundo de la imagen se debe a la fotografía, que surgió en el siglo XIX. Los inventos y experimentos de Niepce, Daguerre y Fox Talbot dieron lugar a la primera "impresión" de la imagen a causa de la luz en material sensible.

La fotografía en principio fue concebida mas como un experimento químico que como arte. 

 Joseph Nicéphore Niépce es un completo desconocido para el gran público. Una circunstancia chocante dado que este inventor francés ha pasado a los anales de la historia como el autor de la primera fotografía permanente de la que se tiene constancia.

Comenzó a experimentar en este campo en 1793, cuando apenas contaba con 28 años, pero a pesar de que en ocasiones lograba capturar imágenes, éstas se oscurecían rápidamente. No fue hasta 1825 cuando consiguió hacer la que es considerada como la primera fotografía de la historia. La realizó sobre un grabado del siglo XVII en el que aparece un hombre tirando de un caballo:

Sólo un año después hizo la primera fotografía en la que aparece un paisaje natural de fondo. Conocida como La cour du domaine du Gras, esta instantánea permaneció en el olvido durante décadas hasta que en 1952 Helmut Gernsheim la compró y Kodak realizó una copia. Desde 1973 los derechos pertenecen a la Universidad de Texas y en la actualidad se exhibe en el Harry Ransom Humanities Research Center, situado en la ciudad estadounidense de Austin.

Siguiendo con las curiosidades, la primera fotografía en la que apareció un ser humano fue tomada por Louis Daguerre a finales de 1838 o principios de 1839. La imagen se titula Boulevard du Temple y en ella sale un hombre en la esquina inferior izquierda que se está limpiando las botas.

La fotografía fue evolucionando de complicadas técnicas hasta la llegada de la pequeña cámara de KODAK, que permitía al usuario conseguir una instantánea con solo apretar un botón y la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica en 1888. lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento.

Cine Documental.- Una verdad Incómoda

http://vimeo.com/42156221





1.- Datos Técnicos.

Año 2006

Duración 96 min.

País Estados Unidos

Director Davis Guggenheim

Guión Davis Guggenheim

Música Michael Brook

Fotografía Davis Guggenheim

Reparto

Documentary, Al Gore

Productora Paramount Classics

2. Género Documental

3. Sinopsis

Documental sobre los efectos devastadores del cambio climático. El ex-vicepresidente norteamericano Al Gore muestra un contundente y preocupante retrato de la situación del planeta, amenazado por el calientamiento global provocado por las ingentes emisiones de CO2 por parte de la acción del hombre. Un documental cuya leyenda reza: "De lejos la película más aterradora que verá jamás". (FILMAFFINITY

4. Premios

2006: 2 Oscars: Mejor documental, mejor canción original (Melissa Etheridge)

2006: National Board of Review (NBR): Mejor documental

2006: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental

2006: Critics' Choice Awards: Mejor documental. 2 nominaciones

5. Críticas

"El hecho de que 'Una verdad incómoda' no debería existir es una razón para estar agradecido de que exista. (...) intelectualmente es estimulante (...) Un buen lugar para empezar, y continuar, un proceso de concienciación que difícilmente puede ser más urgente. Un film necesario."
A. O. Scott: The New York Times

"No es un film aburrido. El director usa palabras, imágenes y la letanía concisa de Gore sobre los hechos para construir una película que es fascinante e implacable. (...) Puntuación: **** (sobre 4)."
Roger Ebert: Chicago Sun-Times

"Una excelente herramienta educacional."
Dennis Harvey: Variety

"Lección magistral. (...) Más que un documental, parece un grito de alarma. (...) Lo mejor: La permanente impresión de estar aprendiendo de la manera más amena que se pueda imaginar. (...) Puntuación: **** (sobre 5)."
Alberto Bermejo: Diario El Mundo

"Su fórmula narrativa acaba convirtiendo un defecto en una virtud. Nada hay más alejado del cine que ver a un tipo largando una teoría tras otra durante una conferencia (...) Tiene el valor de la divulgación de lo incontestable más allá de sus más nimios defectos."
Javier Ocaña: Diario El País

"Una clase magistral (...) ¿Aburrida? Para nada. ¿Electoralista? Tampoco."
Días de cine

LARGOMETRAJE.- La Quimera del Oro (The Gold Rush) 1925

La Quimera del Oro (The Gold Rush) - Charlie Chaplin (1925) Silent B&W.





Una de las obras fundamentales de Charlie Chaplin, y una de sus películas que él más apreció. El vagabundo viaja a Alaska, durante la Fiebre del Oro (título que debió haber adoptado este filme en español), y regresa exitoso... y con la chica de sus sueños. Algo autobiográfico y, como otras obras de Chaplin, cargado de mensajes relativos a valores tales como la dignidad, el respeto, la injusticia, la pobreza, la solidaridad, etc.

Una hilarante película que tiene algunos momentos de antología del cinema mundial, tal como el baile de los panecillos, la cena del zapato y la cabaña al borde del abismo. ¡Disfrútela!