CORTOMETRAJES ESPAÑOLES

1. Exprés




Sinopsis: Una madre lo daría todo por su hija. Casi todo. Maite está harta de que su hija Raquel le desvalije la casa para conseguir droga, harta de sus falsas promesas, de ver cómo se destroza la vida y no poder hacer nada para evitarlo. Drama de unos 4 minutos dirigido y guionizado por Drama de unos 4 minutos dirigido y guionizado por Daniel Sánchez Arévalo. En la interpretación tenemos a Ana Wagener (Maite / madre) y a Natalia Mateo (Raquel / hija). Corto creado para internet ganador de la tercera edición del certamen de cortos Jameson Notodofilmfest (2003) y nominado al Goya 2004.



2. Diez Minutos



“Diez minutos es una crítica al tipo de sociedad hacia donde nos dirigimos. Un mundo donde se supone prima la comunicación y el entendimiento y que, sin embargo, levanta continuas barreras invisibles de incomunicación que nos impiden el contacto directo con las personas.” Estas son las... Ver mas



3. Porque hay cosas que nunca se olvidan



Este corto español, rodado en italiano en un pueblo de Segovia, ha conseguido trescientos premios en año y medio, lo que lo convierte en la obra de este formato más premiada del mundo (Récord Guinness) . Además de la mencionada nominación a los Goya, ha sido preseleccionado para los Oscar y se... Ver mas




4. Nunca es Domingo



Sinopsis: Isabel, una mujer madura, casada y con dos hijos. Su matrimonio no funciona, su existencia es anodina y siente como si no contara para nadie. Ha llegado el momento de hacer algo. Dirigida por Carlos Dueñas y nominada al Oscar 2002 (Short Live Action).




5. Una Feliz Navidad



La navidad es la época del año que reúne a toda la familia, pero ¿Que sucede cuando la reunión es forzada por una tragedia en plena Navidad?, ¿Dónde están todos cuando los necesitamos?, es justamente lo que Luis descubrirá. Con humor negro, estupenda dirección y la ayuda de una soberbia Lola... Ver mas





6. El Parto es Nuestro



Sinopsis: Una crítica con sentido del humor de los partos hospitalarios que, aunque apliquen muy bien los protocolos médicos, son poco respetuosos con las necesidades y emociones de los padres y el bebé.




7. 036



El corto 036 de Juan Fernando Andrés y Esteban Roel cuenta como para darse de alta como empresario autónomo para montar un negocio se tienen que hacer una serie de pasos "el modelo 036" y crítica la burocracia española para hacer este proceso. Carolina Bang y Tomás del Estal son los... Ver mas




8. Los Reyes Magos



Sinopsis: piensa dos veces si es que vas a crear una fantasía a un pequeño… quizá te puedas arrepentir en el futuro. Es un divertidísimo proyecto de animación, sencillo en su origen y en los trazos de sus personajes y evidencia de cómo unos buenos diálogos pueden enganchar al público. Sentido... Ver mas




9. Nada que Perder



El director y guionista Rafa Russo ganó el Goya en 2003 a mejor corto de ficción con esta historia de amor, oportunidades y fracasos. Con los carismáticos Pilar Punzano y Jorge Bosch que dibujan dos extraños que se encuentran, la viajera y el taxista que durante un atasco crean un trayecto... Ver mas




10. Siete Cafés por Semana



En un céntrico café, diferentes grupos de personas se reúnen diariamente para charlar y contarse sus alegrías y problemas. Dirigida por Juana Macías y ganadora del Goya en el año 2000.




11. La Madre



Sinopsis: Un joven imagina diversas maneras de matar a su madre déspota y amargada, pero pierde la cordura en el intento. Dirigida por Miguel Bardem y ganador del Goya al mejor corto de ficción en 1996.




12. Allanamiento de morada



Sinopsis: Dos vendedores de enciclopedias de la empresa HARTE (con H) van a la caza de su siguiente víctima. Magnífico corto basado en las experiencias del propio director Mateo Gil, cuando vendía a domicilio, basado en 1.749.358 casos reales (sólo en España). Los poco más de 15 minutos que... Ver mas




13. El Columpio



Sinopsis: Un encuentro casual de dos jóvenes en una estación de metro da lugar a una historia de amor. ¿Será ella la mujer de sus sueños? ¿Será él el hombre de su vida? ¿Tiene el tiempo freno y marcha atrás? Esta magnífica comedia romántica de Álvaro Fernández Armero, realizada en el año 1992... Ver mas



14. Llámame Parker



“Llámame Parker”, es un trabajo de Peris Romano. Navega en las aguas del corto documental con una determinación y veracidad a prueba de los más pérfidos villanos. Destaca la calidad artística del conjunto debido la austeridad a la que nos tiene acostumbrados el género, haciéndonos dudar si... Ver mas




15. Sinfonía Desconcertante



Una Sinfonía visual y musical en la que tres mujeres de distintas generaciones se enfrentan a la situación más extraña de su vida. Existe una salida para el laberinto si se recorren todos los caminos.




16. Mirindas asesinas



El primer trabajado del director español Alex de la Iglesia ya anticipaba su surrealismo exacerbado y la comedia negra que impregnaría a sus posteriores films (“Acción mutante” y “El día de la bestia”). “Mirindas asesinas” es una brutal lección, un ejercicio cinematográfico que se basa en el... Ver mas




17. Aquel ritmillo



Sinopsis: Un anciano recluído en un asilo hace repaso de sus buenos años de juventud, en los que poseía un singular sentido del ritmo, del caminar y una intuición especial, que le llevó a ser detective–inspector–jefe de la casa Prim, una tienda de electrodomésticos y aquel ritmillo que le acompa... Ver mas




18. La dama y la muerte









19. Dime que yo



El corto quizá es algo artificioso, pero es muy imaginativo, original y es de los mejores de los últimos años. Mateo Gil dirigió con excelencia, logró el Goya en su categoría en 2010 ¿Qué es el amor? ¿Qué es el egoísmo? ¿Por qué están tan cerca? ¿Por qué cuando amamos a alguien... Ver mas



20. Cazadores



En este corto se cuenta la historia, en forma de documental de ficción, de unos chavales que se dedican a cazar animales por puro divertimento. Es duro, más por lo se intuye, que por lo que se ve. Y la demostración de que todas las personas tenemos nuestro corazón, independientemente de las... Ver mas




21. La concejala antropófaga





Una concejala de Asuntos Sociales del Ayuntamiento de Madrid, que pertenece a un partido de derechas, ofrece su particular visión sobre el sexo y la antropofagia. Una visión satírica y provocadora. Inspirado en un personaje de "Los abrazos rotos" (2009), en los créditos finales aparece firmado... Ver mas




22. El Reino de Víctor



Sinopsis: Sara lee por las noches un cuento al pequeño Víctor, sobre una afligida princesa y un valiente príncipe. Poco a poco el cuento va acercándose a sus vidas, hasta converger en un fatídico desenlace.

Cortometraje ganador del Goya en 1990



23. Vidas Escritas





Narra la vida de dos hermanos Daniel (Juanma Gazapo) y Blanca (Sandra Garcia), el Dolor, la muerte , y la locura son los principales temas que daran vida a este drama. Inspirado en volver(2006) y Sin rastro (2012).



24. 3 Minutos y Medio



Sinopsis: Héctor tiene menos de 24 horas para escribir una buena historia y presentarla al concurso de cortos. Para ello, sólo hay una norma: la historia no puede durar más de 3 minutos y medio…

Dirección: Mario Viñuela






25. El hombre esponja





Del director de "Lo Imposible". Cuenta la historia de Jonathan, un niño de diez años de un suburbio de Barcelona que crece en un mundo de fantasía, cuando los niños pasan las tardes jugando al "béisbol maqueta" y escuchando las aventuras asombrosas de "El Hombre Esponja", un superhéroe creado... Ver mas




26. Esposados





Antonio desea matar a Concha, su esposa, pero le falta valor. Un día a Concha le toca la lotería de Navidad, y los intereses de ambos para ver qué hacer con el dinero no coinciden. Ahora, tiene un buen motivo para tener valor y dar el paso.




27. Perturbado







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El Graffiti; Definición, Origen, Tipos, Influencias

Graffitis en el muro de Berlin antes de su derribo en 1989

    Aunque algunos autores consideran al graffiti como una evolución de la pintura mural, lo cierto es que su relación con el fenómeno del cartel es muy clara.

El graffiti consituye la mayor innovación en la expresión de la "imagen pública" que tiene lugar en el siglo XX, porque su realización supone una apropiación del espacio urbano que da lugar a la creación de iconos con mensajes generalmente transgresores o provocativos.

 



Podríamos abordar el debate acerca de la estética del graffiti y si esta práctica se encuentra más cerca del arte o del vandalismo. Veamos: existen niveles.

Graffiti de Banksy

Graffiti de Banksy

Los graffitis elaborados y expuestos en zonas deterioradas han supuesto la decoración de espacios que se encontraban visualmente deshabitados - como por ejemplo fachadas de obras, tapias o paredes a medio realizar- pero, en otros casos, invaden espacios que poseen una identidad visual propia- guste o no los graffiteros-, cuya imagen es fruto del diseño o simplemente del cuidado de sus propietarios, y es un instrumento de autoafirmación de la propia ciudad.

Por lo tanto, existen graffitis que decoran y otros que entorpecen y ensucian. Es obvio cuál es la práctica que está más cercana de ser considerada un medio de comunicación artística. El uso del graffiti implica un sello o marca de autor (firma) aunque también una transgresión del orden social establecido. Además, constituye por si mismo una forma de consumo cultural alternativo.

Graffiti poco original y con poco valor estético

Este fenómeno tiene su origen en la ciudad de Nueva York, donde a finales de los años sesenta se multiplican las manifestaciones juveniles de grupos sociológicos denominados "subculturales", que fomentan manifestaciones artísticas y musicales alternativas - principalmente el movimiento musical hip-hop- y realizan pintadas y marcas en las pareces como método de autoafirmación.

El graffiti ha estado expuesto siempre a las influencias de los medios audiovisuales, especialmente del cine alternativo, del cómic, de la música independiente y de las vanguardias pictóricas abstractas.

13 reglas de La Composición Fotográfica

Las 13 Reglas de Composición Fotográfica Fundamentales que Deberías Conocer





¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto, que son las “reglas de composición”. Dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras. En el siguiente artículo repasamos algunas de las más relevantes a modo de resumen.





1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.


2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.
3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios

Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3×3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, … Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, …

Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.
Resumen

En este artículo hemos querido mencionar algunos de los elementos compositivos fundamentales de la fotografía. Algunos son relativamente fáciles de aplicar, mientras que para otros dependemos de ciertas condiciones del entorno. Lo importante es conocerlos y recordarlos a la hora de hacer fotos, porque con su observación y su recuerdo empezaremos a encontrarlos cada vez con más facilidad en nuestras prácticas de fotografía.

Sistemas de captación y tratamiento de imágenes fijas.

Una cámara fotográfica es un dispositivo de captación de imágenes fijas, al igual que lo es una cámara digital, lo único que cambia es el tipo de lenguaje y el soporte de almacenamiento.

La fotografía analógica si se almacena en condiciones de luminosidad, temperatura y humedad adecuadas, puede utilizarse durante siglos, ya sea película negativa, papel o película de diapositivas.

La fotografía digital se almacena en tarjetas de memoria, discos compactos u otros dispositivos de almacenamiento de datos digitales

• El sistema de captación es idéntico, solo que en la cámara analógica el material fotosensible está dispuesto a modo de emulsión química sobre un soporte físico como es la película y todo el procedimiento es mecánico.

Una vez captada la imagen, en la película fotográfica esa imagen deberá procesarse químicamente en un laboratorio a través de un proceso casi artesanal, para conseguir revelar y fijar la imagen a fin de poder almacenarla. Si la película está tratada con los colorantes específicos, la imagen captada tendrá también la información de color.

• En el proceso de captación digital el material fotosensible cubre una superficie electrónica (llamada CCD) realizada con un material metálico, como el óxido de silicio. Hasta ahí todo es igual; la luz atraviesa el objetivo y sensibiliza, punto a punto, línea a línea, según se trate de claridad u oscuridad, el material sensible.  En el caso del sistema digital, la cámara puede contar con tres CCD o bien tres filtros de los tres colores básicos, siendo la primera opción la más profesional.

Encuentro del Cómic y la Ilustración de Sevilla — Exposiciones

http://encuentrocomicilustracionsevilla.com/exposiciones

CREACIÓN DE UN PERSONAJE Y SU GESTUARIO

Todos los World Press Photo desde 1955 hasta 2011

Todos los World Press Photo desde 1955 hasta 2011
http://naturpixel.com/2012/02/13/todos-los-world-press-photo-desde-1955-hasta-2011/

La historieta gráfica

   Hemos hablado de la imagen fija desde un punto de vista gráfico y artístico. Si atendemos a los grados de iconicidad de los que hablamos anteriormente, hay que recordar que el espacio y el tiempo son dimensiones que nos acercan a la verosimilitud de lo que vemos o mostramos. El cómic es un medio de comunicación que narra una historia a través de imágenes. Pero esas imágenes están dispuestas de manera secuencial de modo que puedan darnos una impresión espacio temporal. El cómic o historieta es el medio expresivo basado en la imagen secuencial que más difusión tiene en la actualidad. <ha heredado la función expresiva de las antiguas ilustraciones , que eran imágenes fijas que se ordenaban a la vista del público para transmitir mensajes o contar historias.     Ha recibido las influencias de los medios audiovisuales especialmente del cine, y se ha consolidado con el tiempo como un arte con características propias, capaz de influir a su vez en otras artes y lenguajes expresivos. La principal característica del comic, aparte de su organización secuencial, es la utilización de códigos pictocinéticos (uso de imágnenes y signos gráficos para representar el movimiento) y audiopictóricos (representacion gráfica de sonidos y onomatopeyas)

Onomatopeyas en el comic

Los oficios de la cultura - Dibujante de cómic. Miguelanxo Prado

• Los oficios de la cultura - Dibujante de cómic. Miguelanxo Prado

Fases de la elaboración de un cómic:

(Viñetas de La loca de Brunete, con guión de Victor Mora y dibujo de Antonio Parras, en el libro Tormenta sobre España, Glénat, 2006, p 41) 

Quien se haya iniciado en el proceso de elaboración de un cómic, sabrá que el trabajo se divide en varias fases: 

1 DOCUMENTACIÓN Y GUIÓN.

Se parte de un guión donde se describe la trama de la historia, las situaciones que viven los personajes, sus reacciones y diálogos. A menudo es necesario documentarse y buscar información sobre los personajes y el contexto en el que se desarrolla la historieta. El guión generalmente se divide en tres fases: planteamiento, desarrollo y conclusión: 

“Una historia se estructura con un planteamiento, un desarrollo y una conclusión donde debemos imaginarnos una línea y distribuir el tiempo que se dedicará a cada acto. El planteamiento debe presentar el contexto de la historia al lector, a los personajes, el origen del conflicto... El desarrollo es una sucesión de conflictos que conducen hacia un desenlace, que podrá ser abierto o cerrado. La conclusión es la resolución de los conflictos planteados”. 

Esta es la estructura clásica de muchas de las narraciones audiovisuales y literarias, que pueden corresponderse con el guión de aventura, una estructura que se ha convertido en paradigma universal para contar historietas. Aún sabiendo que no hay una única manera de contar historias, y que la literatura bien podría no andar tan cogidita de la mano de las recetas imperantes del cine, sí parece que determinadas fórmulas se han generalizado por su éxito comercial, como las que recuerdan a la estructura de la tragedia que ya estableció Aristóteles. En esta obra se establecen las tres fases que describíamos anteriormente (planteamiento, desarrollo o confrontación y conclusión), donde el héroe o protagonista sufre dos puntos argumentales o puntos de inflexión: un primer suceso inesperado que obstaculiza su misión y parece hacerla imposible, y otro segundo giro sorprendente que hace que se resuelva el conflicto. 

2 DISEÑO DE PERSONAJES

Algunos artistas deciden realizar el diseño de personajes antes de planificar la historieta, otros realizan la planificación antes de haber decidido el aspecto final del personaje. En todo caso, es importante decidir qué rasgos físicos tendrán los personajes principales y secundarios, según las cualidades que muestran en la historieta. En este caso, si se dibuja una historieta de una anciana en tiempos de la guerra civil, es importante saber cual era el aspecto de una señora mayor en la España de los años treinta. 

3 PLANIFICACIÓN DE PÁGINAS Y VIÑETAS

A continuación, se realiza una planificación de páginas y viñetas donde decide el contenido de cada viñeta según el guión. Cabe preguntarse ¿quién decide sobre los detalles de la representación visual de la historieta? ¿Cómo se da el salto del texto a la imagen? ¿Qué detalles vienen predeterminados por el guionista y cuales por el dibujante?. Generalmente el guionista ya establece el número de viñetas y el contenido de ésta, e incluso señala el tipo de plano que quiere que aparezca en la viñeta. Aún así, la resolución definitiva de la historieta, el ritmo narrativo, la intensidad emocional, dependen de la habilidad del dibujante y su capacidad para hacernos sentir la historieta a través de atmósferas, encuadres, luces, las características físicas del personaje y la expresividad corporal del mismo, formas y espacios de las viñetas en la página, etc. 

4 BOCETOS

Una vez realizada la planificación y el diseño de personajes, el dibujante ya puede empezar a esbozar las primeras versiones del cómic. Generalmente el dibujante realiza los encajes sus bocetos con lápiz color azul para facilitar el posterior escaneado ya que por medios digitales puedes eliminar fácilmente todos los trazos de ese color sin interferir en el resto del dibujo.

5 ENTINTADO Y COLOREADO

Una vez que el artista consigue un boceto de calidad, el dibujo se entinta y colorea, a menudo suele escanearse el boceto y se le da luz y color con técnicas digitales. 

6 MAQUETACIÓN

Por último se maquetan las páginas del libro o la revista, trabajo que suele realizar un diseñador gráfico. 

Análisis del Cartel CIUDAD JUÁREZ

1.- ¿Que crees que representa el cartel? ¿Que significado puede tener? ¿Podría ser lo mismo si la figura fuera una silueta de hombre? Aparte de ser una figura humana, el conjunto muestra algo más ¿Qué es? ¿Por qué piensas que el autor muestra dos imágenes en una sola?

2.- ¿Por qué solo hay dos colores y por qué, precisamente, el blanco y el negro? ¿Crees que el negro refuerza la imagen y por qué? ¿Podría ser mejor el cartel si la figura fuera negra y el fondo blanco? ¿Por qué?

3.- ¿Por qué se trata de colores planos y no degradados, mezclados o en pequeñas pinceladas?

4.- Que te parece la idea de disponer sólo de una gran figura central sin fondo dibujado con otras imágenes?

¿por qué se muestra la figura frontal y de pie y no de perfil o sentada o tumbada...? ¿Es una imagen estática o dinamica? ¿Por qué? ¿hay simetría o no en el conjunto? ¿En que te basas?

5.- ¿Por qué el rótulo superior es desigual? ¿Utiliza una tipografía convencional o qué tipo de letra es?

¿Por qué el texto no está alineado y las letras son de distinto tamaño y, en cambio, el rótulo inferior si está alineado y pertenece a una tipografía sencilla y de palo? ¿Por qué el rótulo superior no está en un lateral o abajo?

Análisis de Cartel GREC88

1.- ¿Qué crees que representa el cartel? ¿Qué significado puede tener? ¿Qué representa la figura y en qué te basas? ¿Es significativo lo que lleva en las manos?

2.- ¿Utiliza colores planos, degradados, yuxtapuestos, mezclados..? ¿Cúantos colores se emplean para expresar el conjunto? ¿Por qué piensas que utiliza el color de esta manera? ¿Qué tipo de colores se emplean? (complementarios, cálidos, fríos...) ¿Crees que hay algún color que destaque más que los otros y por qué? ¿Por qué juega a contrastar los colores en dos mitades respecto al cartel?

3.- ¿Qué te parece la idea de disponer sólo de una gran figura central? ¿Para qué se hace una especie de enmarcado al conjunto? ¿Hay algún tipo de intención en el doble círculo que forman los brazos? ¿Enmarca la importancia de la expresión de la cabeza? ¿Por qué? ¿Qué otros elementos destacan en el cartel y qué pueden significar?


4.- ¿Cómo se muestra la figura? (dirección, movimiento, etc.) ¿Es una imagen estática o dinámica? ¿Por qué? ¿hay simetría o no en el conjunto? ¿En qué te basas? ¿Qué otras sensaciones provoca este cartel (dramatismo, tristeza, alegría, festividad...) y de que manera crees que se representa?

5.- ¿Por qué crees que la figura está bordeada por una vistosa lista negra? ¿Resalta la imagen o, tal vez, podría ser lo mismo sin esta línea?

6.- El rótulo principal está arriba ¿por qué? ¿Qué te parece la tipografía empleada? ¿Hay tipos diferentes? ¿Por qué hay diferencias de tamaño? ¿Por que la "E" de GREC es diferente? ¿Te recuerda algo?

Análisis del Cartel de Pulp Fiction

struyendo una película de acción con todo tipo de escenas violentas y con diálogos brillantes que forman parte de la historia del cine. Sin embargo, la película no fue la única que resulto un éxito. El famoso póster con Uma Thurman se ha convertido en todo un icono de la cultura popular, siendo uno de los carteles más reconocibles y brillantes de la historia del cine.

Indudablemente, lo primero que destaca en el cartel es la propia Uma Thurman. Se nos presenta en una cama con los tobillos cruzados, cigarrillo en mano y un libro (novela Pulp) en la otra. Usa un lápiz labial de color rojo oscuro y su esmalte de uñas también es rojo. 

El rojo no sólo es un color asociado la violencia y el peligro, sino también hace referencia a cualidades femeninas o a la sexualidad. Uma Thurman mantiene su feminidad a través de su vestuario y su lenguaje corporal. Asimismo, el tipo de traje que lleva puesto (todo negro), con un top escotado, pantalón pirata y zapatos de tacón da una sensación de oscuridad. 

El negro se asocia con el poder, la elegancia, la muerte, el misterio y, por lo general, tiene una connotación negativa, que es precisamente la impresión que Tarantino trata de establecer.

Si nos fijamos en lo que hay en la cama, encontramos algunas pistas sobre hacia dónde puede ir la trama de la película. En primer lugar, hay que destacar la aparición de una pistola, con la que Tarantino pretende mostrar el contraste entre la violencia y el personaje femenino que interpreta Uma Thurman. En segundo lugar, aparece un paquete de cigarrillos, pero no se trata de un paquete cualquiera sino de los cigarrillos Red Apple, una marca creada exclusivamente por Quentin Tarantino y que aparece en todas sus películas. Otro de los elementos a destacar es el estilo del póster en sí mismo, ya que simula la portada de una novela Pulp, con su papel ajado, su precio de 10 centavos y su tipografía americana.

Sin duda, el póster de Pulp Fiction es uno de los carteles más reconocibles y apreciados de la historia del cine. Como curiosidad, en primera imagen podéis ver las diferentes versiones previas del póster que finalmente no salieron a la luz. 

En este otro post, podéis ver los teaser pósters de las películas de Tarantino, estos sí fueron expuestos antes de los diseños finales.